El Otro Cine · Función Especial

Ipcress

2011-10-01T17:00:00.000-07:00

Viernes 7 de octubre (función suspendida)

Título original: "The Ipcress File" (1965)

Dirección: Sidney J. Furie
Intérpretes: Michael Caine, Nigel Green, Guy Doleman, Sue Lloyd
Guión: Bill Canaway & James Doran (Basado en la novela homónima de Len Deighton)
Fotografía: Otto Heller
Música: John Barry
Producción: Harry Saltzman
País: Gran Bretaña
Duración: 109 min.

A Harry Palmer no le gusta el mundo del espionaje, pero no conoce otro tipo de vida. En esta ocasión, la misión de Harry consiste en localizar al doctor Aubrey Richards, que ha desaparecido teniendo en su poder un valioso archivo que puede haber llegado a manos del enemigo. El gobierno también teme que Richards haya sido sometido a un lavado de cerebro, como ya había pasado con otros dos científicos británicos... (FILMAFFINITY)

Dalby: - No es habitual leerle su propio B107 a alguien, pero voy a dejárselo claro: "Insubordinado, insolente, tramposo; quizá tenga tendencias criminales."
Palmer: - Sí, es una valoración bastante acertada.
Dalby: - Bien. Esa última cualidad puede resultar útil. Si tengo cualquier problema con usted, le morderé, Palmer. Le morderé tan fuerte que volverá donde le encontró Ross.

"The Ipcress File" es la primera película de la trilogía clásica de Harry Palmer, el agente secreto creado por el novelista británico Len Deighton. Concebida y producida por Harry Saltzman - el coproductor de la saga de James Bond - en un intento de generar un cine de espías mucho más creíble que 007 y deliberadamente ubicado en las antípodas de éste.

De hecho, Palmer es un agente miope que firma formularios; un hombre insubordinado y arrogante que fue cooptado por el servicio secreto para evitar pasar un año en la cárcel, que vive en una habitación de alquiler y se levanta con una llamada de aviso y no con una dama que conoció la noche anterior. Al contrario de Bond, opera en un ambiente reconocible y totalmente creíble: oficinas de tareas tediosas y rutinarias, donde la sola idea de tener un Aston Martin es ridicula. Los glamorosos estereotipos de 007 son reemplazados por la contundente realidad del servicio secreto -retratado como una pesadilla burocrática- que es la de pasar inadvertidos. En suma, Ipcress tiene sus raíces en la ola contemporánea de las obras ultrarrealistas de los '60s y no en las llamativas fantasías de Bond.

Por otra parte, mientras que James Bond, educado en un colegio privado, estaría en casa conversando con los superiores de Palmer, Palmer es el hombre de la clase trabajadora que, en contraste con el esnobismo que lo rodea, es retratado como una persona de buen gusto, lo cual se demuestra en su fina cocina y su apreciación de Mozart (y no la espantosa variedad que le hace escuchar su jefe Dalby en un parque).

Las escenas fueron rodadas en Londres, luego del escándalo de de la red de espionaje conocida como "Los cinco de Cambridge" (Kim Philby y otros dobles agentes que brindaban información clasificada a la URSS) y el film, de alguna manera, se mete en una guerra de clases.

Este tema de las clases, como así también las locaciones elegidas, lo hacen un film de espías muy británico -posiblemente el mejor comparado con el ciclo de Bond- que representa el intento de crear un producto trans-atlántico. Un paralelo sirve para ilustrar esta diferencia: Bond tiene un agente amigo americano (Felix Leiter), un personaje menor ocasional en la serie. En contraste, aquí Palmer le dispara a un agente americano que muere por error la CIA lo persigue para vengarse, mientras otro muere en su apartamento. No hay camaradería y la relación amable no existe.

Acompaña esta primera aventura de Harry Palmer buena parte del equipo técnico de la saga 007: el músico John Barry -que aquí contribuye a crear una atmósfera cool y pesimista a la vez-, el editor Peter Hunt, el diseñador de producción Ken Adam. En el sillón del director está Sidney J. Furie. Esta iniciativa agriaría la relación de Saltzman con Cubby Broccoli, hasta el alejamiento del primero de la serie Bond a mediados de los setenta.

Esta película trae un poco de aire fresco a toda la filmografía anterior sobre espías. Los anteojos de Palmer son un obvio símbolo de visión imperfecta (ejemplificado por un par de efectos de visión borrosa en el film). La dirección es elegante y moderna, con un uso llamativo de la cámara, que por momentos hace trucos de vanguardia, filmando alternativamente a través de la ventana atestada de una cabina telefónica, a través de los cristales, pantallas de lámparas, ornamentos y otros objetos. La cámara se sitúa en ángulos muy extraños, dando la impresión de ser cámaras ocultas, realzando la atmósfera de juegos secretos, peligros desconocidos y desconfianza que funciona a la perfección. Furie logra mantener un buen ritmo y la última media hora logra un crescendo de gran tensión. Este es un film en el cual la visión o la comprensión -descifrar "Ipcress" o identificar "Albania" como Londres, por ejemplo- es algo de suma importancia. Palmer ha visto y también comprendido la red que lo rodea antes de identificar al traidor.
Pero la verdadera magia del film
es la maravillosa interpretación de Michael Caine. Es un clásico de Caine, con su carisma, su facilidad para los chistes breves y su legendario acento. Harry Palmer representa el nuevo tipo de héroe británico, así como Michael Caine representa el nuevo tipo de actor británico. Mientras en las películas de acción británicas hasta ahora la elite era mostrada como valiente y eficaz, aquí se los muestra como ineptos, tramposos y resistentes a los cambios.

La atmósfera refleja la era de la guerra fría mejor que cualquir otro film; no hay efectos especiales o escenas de persecuciones impresionantes; sólo estupendas actuaciones y tremendo guión, con un genial humor sutil a lo largo de todo el guión y una evidente atención a los detalles.

Aunque este film está hecho con un bajo presupuesto, su extremada calidad ha hecho que no perdiera vigencia ni fuerza a través de los años.

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Teherán 43

2011-10-01T15:00:00.000-07:00

Martes 18 de octubre (función suspendida)

Título original: "Tegeran-43" (1981)

Dirección: Aleksandr Alov, Vladimir Naumov
Intérpretes: Alain Delon, Natalya Belokhvostikova, Curd Jürgens, Igor Kostolevsky, Claude Jade, Armen Dzhigarkhanyan, Albert Filozov, Georges Géret, Gleb Strizhenov, Nikolai Grinko, Vsevolod Sanayev, Nartai Begalin
Guión: Aleksandr Alov, Vladimir Naumov, Mikhail Shatrov
Fotografía: Valentin Zheleznyakov
Música: Charles Aznavour, Georges Garvarentz, Moisej Vajnberg
Producción: Georges Cheyko, Jean-Philippe Mérand, Alois Schwendimann, Edwards Volkoff - Coproducción Mosfilm (URSS), Mediterranée Cinema (Francia), Pro Dis Film Ag (Suiza)
País: URSS
Duración: 155 min.

- Las autoridades decidieron intercambiarlo a Ud. por los rehenes del avión.
- Lo sé.
- Personalmente, estoy en contra. Más bien preferiría... Preferiría dispararle en un intento de fuga.
- Lo sé. Sé mucho sobre la gente.
- Si decide volver a mi país, recuerde: lo estaré esperando.
- No dramatice. Usted es tan peligroso para mí como una vaquita de san Antonio. Hay demasiada democracia en su país.

(Diálogo entre Schoener, famoso terrorista con pedido de captura internacional, y el inspector Foch)

A finales de noviembre de 1943 se celebra en la capital iraní una reunión, conocida como la Conferencia de Teherán, entre los dirigentes de las potencias aliadas: Churchill, Roosevelt y Stalin. Aprovechando este hecho histórico, se desarrolla una trama ficticia sobre un complot nazi cuyo fin era el asesinato de los tres líderes del bando aliado, pero el atentado fracasó. Treinta y siete años después, en la capital francesa se anuncia, en rueda de prensa, que uno de los agentes implicados posee un microfilm con los documentos y los quiere vender al mejor postor. Desde ese mismo momento se inicia una persecución para asesinar al traidor alemán y recuperar el microfilm... (FILMAFFINITY)

Antes de la Conferencia de Yalta en Febrero 1945, tuvo lugar otra conferencia en Teherán poco más de un año antes, del 28 de noviembre al 1º de diciembre de 1943, para unir a los tres líderes aliados en una agenda militar contra la Alemania nazi. La estratégica conferencia y sus consecuencias militares llamarían la atención a los servicios secretos alemanes, y los aliados lo sabían. Entonces Teherán se convirtió en un nido de espías y dobles agentes informando y desinformándose unos a otros en el intento de descubrir las verdaderas intenciones de sus enemigos.

Los directores Alov y Naumov reunieron a grandes estrellas de cine de distintos países europeos en esta interesante película que combina diferentes géneros en un maravilloso argumento. La industria fílmica soviética comenzaba a mostrar los primeros signos de lo que años más tarde se conocería como "Glasnost", con la intención de abrir nuevas oportunidades para coproducciones con films occidentales. Para los actores soviéticos esto era algo nuevo, ya que rara vez tenían la oportunidad de trabajar fuera de su país y mucho menos con un reparto internacional.

A fines de la década del 70, el actor francés Alain Delon recibió el guión de Teherán 43, escrito por cineastas rusos que querían hacer un film de espías centrado en los eventos históricos de la mencionada conferencia. El argumento y la oportunidad de trabajar con actores soviéticos en la URSS e Irán seducieron inmediatamente a Delon para coproducir el film. Delon convenció a su amigo Curt Jürgens, quien a fines de los 60s había aparecido en otra coproducción iraní-norteamericana con muy buenos resultados.

El reparto y el equipo de producción volaron entre Teherán, París y Moscú entre 1977 y 1978 en busca de posibles locaciones. Las embajadas británica, soviética y americana donde los líderes llevaban a cabo sus reuniones tuvieron que ser recreadas en el estudio por razones prácticas, tanto para el equipo como para los actores. Los disturbios que llevaron a la revolución de 1979 pusieron en serio peligro el proyecto, pero algunas de las repúblicas soviéticas tenían paisajes y población similares, y por lo tanto se decidió filmar todas las escenas relativas a la conferencia en estas repúblicas en lugar de Irán. Los productores iraníes finalmente no pudieron unirse al proyecto, quedando afuera del mismo.

Los personajes son intrigantes y los actores maravillosos, ofreciendo la rara oportunidad de ver a actores soviéticos trabajando estupendamente junto a sus pares europeos en esta saga que dura más de 30 años.

La música, interpretada por la Sinfónica de Moscú, sabe acompañar la historia y el popular cantante Charles Aznavour canta una hermosa canción de tono melancólico: "Una Vie D'amour".

A pesar de tratarse de una película de espías, no hay ninguna propaganda política en el film, pero sí mucha tensión e incluso una historia de amor. De esta manera logra mantener el interés de la audiencia a pesar de la larga duración de la película.

En 1981 obtuvo el premio a la Mejor Película en el Festival de Moscú.

(Película traducida y subtitulada por Denise Castello)

Este es el tema "Una Vie D'amour" interpretada por Charles Aznavour:

Una Vida Agridulce

2011-09-01T12:00:00.000-07:00

Viernes 2 de septiembre

Título original: "Dalkomhan Insaeng" ; título internacional: "A Bittersweet Life" (2005)

Dirección: Kim Jee-woon
Intérpretes: Lee Byung-hun, Kim Young-chul, Shin Min-a, Whang Jung-min, Kim Roi-ha, Moon Chong-hyuk, Lee Ki-young, Oh Dalsoo, Jin Gu, Kim Hae-gon.
Guión: Kim Jee-woon
Fotografía: Kim Ji-yong
Música: Dalpalan y Jang Young-kyu
Producción: Oh Jung-wan y Lee Eugene
País: Corea del Sur
Duración: 120 min.

Una noche de otoño, el discípulo se despertó llorando. Entonces el maestro le preguntó al discípulo:
- "¿Tuviste una pesadilla?"
- "No. "
- "¿Tuviste un sueño triste?"
- "No, dijo el discípulo. Tuve un dulce sueño"
- "Entonces, ¿por qué lloras tan tristemente?"
El discípulo respondió con calma, mientras secaba sus lágrimas...
- "Porque el sueño que tuve no puede hacerse realidad. "

"A Bittersweet Life", escrita y dirigida por Kim Ji-woon, y que supuso la primera de las -hasta ahora- tres colaboraciones con la estrella Lee Byung-hun, se inspira en la estética francesa y le rinde un merecido homenaje al polar francés; más exactamente a Jean-Pierre Melville y Alain Delon en películas como "Le Samouraï" o "Un Flic".

Estrenada en 2005, "A Bittersweet Life" cuenta la historia de Sun-woo (Lee Byung-hun), fiel mano derecha e implacable ejecutor de un mafioso local llamado Kang (Kim Young-chul), para quien trabaja al frente de uno de sus exclusivos restaurantes llamado "La Dolce Vita". Un día el jefe le ordena vigilar a su joven novia Hee-soo (Min-a Shin), pues sospecha que ésta se está viendo con otro hombre, y en caso de ser acertadas sus sospechas, debe matarlos a ambos.
El problema se presenta cuando Sun-woo debe llamar al jefe para condenar a muerte a la chica y decide no hacerlo. A partir de ese momento, comenzará un espiral de persecuciones, tiroteos y peleas de una enorme crueldad filmadas con una gran elegancia y sobriedad.

La fotografía es impecable y de una inmensa belleza, tanto en las escenas en interiores como en el exterior, prestando atención a todos los detalles. Casi toda la película transcurre de noche, y la cámara se convierte en los ojos de Sun-woo para que el espectador sea testigo de los sentimientos que empiezan a aflorar en el protagonista, lo cual es maravilosamente acompañado por una exquisita banda original de sonido, compuesta por Dalpalan y Jang Young-kyu, que obtuvo el premio en el Festival de Sitges de 2005.

Las actuaciones son excelentes y la del protagonista (Lee Byeong-heon), es soberbia, obteniendo varios premios a mejor actor en diferentes festivales. La escena de la compra de armas rusas y la escena final son antológicas.

Pero "A Bittersweet Life" no es sólo una película de de venganza, ni de gángsters o de acción, sino también una película romántica y de melancólica tristeza. Sólo un genio como Kim Jee-woon (sin duda uno de los grandes directores del cine mundial) puede combinar elementos tan aparentemente contradictorios con resultados tan brillantes.

"A Bittersweet Life" fue un gran éxito en la crítica mundial y ha recibido varias nominaciones y premios en diferentes eventos y festivales. Fue presentada en el Festival de Cine de Mar del Plata en 2005.

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El Bueno, el Malo y el Raro

2011-09-01T11:00:00.000-07:00

Viernes 9 de septiembre

Título original: "Joheunnom Nabbeunnom Isanghannom"; título internacional: "The Good, The Bad and The Weird" (2008)
(También conocido en Argentina como "El Bueno, el Malo y el Loco")

Dirección: Kim Ji-woon
Intérpretes: Lee Byung-hun, Song Kang-ho, Jung Woo-sung, Uhm Ji-won
Guión: Kim Ji-woon y Kim Min-suk
Fotografía: Lee Mo-gae y Oh Seung-Chul
Música: Dalparan & Jang Yeong-gyu
Producción: Barunson / CJ Entertainment / Cineclick Asia / Grimm Pictures
País: Corea del Sur
Duración: 136 min.

En la convulsa Manchuria de los años 30, el mapa de un tesoro va a poner tras su pista a chinos, japoneses y coreanos y va a enfrentar en duelo a tres bandas a un cazarecompesas (el bueno), un asesino a sueldo (el malo) y un inclasificable bandido (el raro). Este homenaje coreano a una de las obras capitales de Sergio Leone, "The Good, the Bad & the Weird" es ante todo una colosal aventura, una fiesta para los ojos que arranca con el espectacular asalto a un tren y alcanza el éxtasis en el desierto de Gobi, entre cañonazos y galope de caballos. La pura esencia del espectáculo y una nueva proeza de Kim Jee-woon. (FILMAFFINITY)

Como Western (o tal vez deberíamos decir "Eastern"), Kim Ji-woon logra un insuperable film de aventuras al nivel del mejor Leone o Eastwood, con un impresionante manejo de cámara y una gran maestria en las escenas de acción.

Así consigue crear un emocionante homenaje no sólo a "The Good, The Bad and the Ugly" sino al western en general -más específicamente al spaghetti western-, con un estilo inigualable y sin caer en el error de extrapolar o imitar hábitos o estereotipos occidentales, consiguiendo un resultado totalmente diferente y original.

Los personajes principales son llevados a la pantalla maravillosamente por los tres actores más célebres del cine surcoreano actual.

Por un lado está el bueno, interpretado por Woo-sung Jung, un serio cazarecompensas que tiene la misión de encontrar un mapa de un supuesto tesoro para ayudar al ejercito de liberación de Corea del dominio Japonés en Manchuria.

Por otro lado está el malo, interpretado estupendamente por Lee Byung-hun, actor fetiche de este brillante director, vestido con un impecable traje negro al igual que Alain Delon en "Red Sun" (donde también Delon hace de malo y comienza la película asaltando un tren), encarnando a un asesino despiadado que también va tras el tesoro y que por sobre todas las cosas desea dejar claro que él es el mejor pistolero del mundo.

Por último, está el genial comediante Song Kang-ho interpretando al raro, que resulta ser quien tiene el mapa del tesoro en su poder y que además de ser quien le da el toque de humor a este espectacular film, resulta ser una verdadera caja de sorpresas.

La excelente banda de sonido, a cargo de Dalparan y Jang Yeong-gyu (al igual que en "A Bittersweet Life"), acompaña el ritmo de la película y da clima a cada escena, recordándonos sin necesidad de plagio la música de Ennio Morricone para "Once Upon a Time in The West".

Divertidisima desde el principio hasta el final,
resulta una verdadera joya del cine mundial y otro logro del cine surcoreano moderno, uno de los más interesantes del mundo.

Para no perdérsela.

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El Rey de las Trampas

2011-09-01T10:00:00.000-07:00

Viernes 23 de septiembre

Título original: "Banchikwang"; título internacional: "The Foul King" (2000)

Dirección: Kim Ji-woon
Intérpretes: Song Kang-Ho, Go Ho-kyung, Jang Hang-Seon, Kim Su-ro, Jang Jin-Young, Park Sang-Myeon, Jeong Woong-in, Jung Doo-hong, Kim Ka-Yeon, Lee Won-jong, Shin Goo.
Guión: Kim Ji-woon
Fotografía: Hong Kyeong-Pyo
Producción: B.O.M. Film Productions Co. / Oh Jeong-Wan, Lee Mi-Yeon, Jo Jin-A
País: Corea del Sur
Duración: 111 min.

Dae-Ho (Song Kang-Ho) es un empleado bancario improductivo e ineficiente que llega tarde todos los días al trabajo y eso lo convierte en el objeto de las frustraciones de su jefe, que lo maltrata y humilla permanentemente. En su vida personal tampoco le va muy bien: su timidez le impide expresarle sus sentimientos a la mujer de la que está secretamente enamorado, y habiendo pasado los treinta años, todavía vive con su padre.

Para escapar del mal sabor de sus fracasos, sueña con ser un luchador profesional para poder vengarse de su abusivo jefe o al menos levantar un poco su autoestima. De pequeño era fan de los programas de TV de lucha libre (del estilo de "Titanes en el Ring"), pero a pesar de ello nunca pudo aprender a librarse de la llave en la cabeza que le hacía su jefe cada vez que llegaba tarde.

Un dia logra ser admitido como aprendiz de lucha libre, aunque sólo porque el entrenador necesitaba un luchador tramposo que jugara sucio. Dae-ho no tiene ningún talento, pero entrena duro todo el día para poder subirse a un ring. De esta manera, poco a poco se va transformando en el villano luchador conocido como "El Rey de las Trampas".

Como en una historia de superhéroes, cuando Dae-ho se pone la máscara de tigre blanco adquiere confianza para dejar de ser el cobarde perdedor que es en la oficina.

Las secuencias de lucha son sólo un aspecto secundario, mientras lo principal son las escenas de humor absurdo -una suerte de Mr. Bean coreano- donde el protagonista intenta ganarse algún respeto en su ridícula vida cotidiana.

Song Kang-ho, uno de los mejores actores de Corea del Sur de la actualidad en uno de sus primeros papeles protagónicos, encarna a este típico perdedor al que nada le sale bien, y lo hace maravillosamente, como es habitual en él.

El ritmo, el tono oscuro y cómico característico del genial director y las actuaciones hacen de este divertido film -el segundo dirigido y escrito por el consagrado Kim Ji-Woon- una de las comedias más atípicas y geniales de los últimos tiempos, con un anti-heroe "verdadero" (o sea, no a la hollywoodense) al que en palabras del propio Kim Jee-Woon: "Nunca nada le saldrá bien en la vida."

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Encontré al Diablo

2011-09-01T09:00:00.000-07:00

Viernes 30 de septiembre

Título original: "Akmareul Boattda"; título internacional: "I Saw The Devil" (2010)

Dirección: Kim Ji-woon
Intérpretes: Lee Byung-hun, Choi Min-sik, Jeon Kuk-hwan, Oh San-ha, Kim Yun-seo, Choi Moo-sung, Kim In-seo
Guión: Park Hoon-jung
Fotografía: Lee Mo-gae Música: Mowg
Producción: Kim Hyun Woo Peppermint & Company / Syz Entertainment
País: Corea del Sur
Duración: 144 min.

"Magistral y salvaje" (Luis Martínez: Diario El Mundo)

Se trata de una película sobre venganza. Una mujer es brutalmente descuartizada por un asesino serial, y su prometido decide hacer justicia por mano propia, lo cual en este caso toma la forma de una venganza tan implacable y tortuosa como jamás se ha visto en el cine. El film es una experiencia cruda que jamás podría haberse rodado en los Estados Unidos. Es el tipo de thriller hard-boiled de venganza que sólo puede hacer un coreano; intransigente, lleno de sorpresas, shockeante e inolvidable.

Una fría noche invernal, en medio de una tormenta de nieve, una mujer llamada Joo-yeon (Oh San-sa), hija de un jefe de policía retirado, espera sentada dentro de su coche a que llegue la grúa a socorrerla. Mientras espera, habla por teléfono con su novio, Dae-hoon (Lee Byung-hun), un agente especial que en ese momento se encuentra trabajando. De pronto, aparece el conductor de una combi escolar y comienza a insistirle con cambiarle la rueda él mismo. Ante la negativa de ella, el hombre -Kyung-chul (Choi Min-sik), un tristemente célebre asesino serial- rompe el parabrisas con un martillo y ataca salvajemente a Joo-yeon. Cuando ella se despierta, desnuda y ensangrentada, metida en una bolsa de plástico, le suplica al psicópata misericordia y le dice que está embarazada, pero como todo psicópata, le importa un rábano; la sigue torturando y la corta en pedacitos hasta matarla.

Al día siguiente, unos niños que están jugando en los suburbios encuentran restos humanos. Al enterarse Dae-hoon de que ha perdido lo que más quería en el mundo, promete vengarse sin piedad del asesino. Lo original del film es que el "héroe" descubre y encuentra al asesino a los 15 minutos de empezado, comenzando ahí su original venganza, que a la vez tendrá sus vueltas de tuerca y cambios de roles. Se inicia de repente un trepidante juego del gato y el ratón sin concesiones, con un ritmo endiablado, en más de dos horas de autentica ira de nuestro protagonista. Así comienza este intenso e impactante film que no da respiro ni por segundo al espectador.

Si bien queda claro que se trata de una película sangrienta y de violencia extrema, no recomendable para personas impresionables, vale la pena aclarar que ni una gota de sangre está de más en este vertiginoso y estremecedor thriller.

Una hermosa fotografía contrasta radicalmente con escenas a media luz en las que suceden sangrientos asesinatos o violentas peleas. El trabajo de cámara es excepcional; a menudo el espectador se encuentra con primerísimos planos de Byung-hun Lee y Mik-sik Choi, y sus expresiones hablan más que mil palabras.

Kim Jee-woon ha conseguido un reparto escepcional: Choi Min-sik en el papel de un asesino psicópata despiadado cuya necesidad de matar y causar sufrimiento es similar al hambre o la sed, y Lee Byung-Hun, en el papel de vengador cegado por el dolor y la ira.

Min-Sik Choi se supera a sí mismo transformándose en uno de los asesinos seriales más retorcidos e inolvidables de la historia del cine, saltando de la calma total a la furia maniática más demencial, pero siendo siempre totalmente convincente en su locura sedienta de sangre. Un asesino sumamente sádico, incapaz de sentir miedo ni dolor ni remordimiento y que se cree invulnerable.

El personaje de Lee es pulcro, estoico y mucho menos expresivo, pero deja traslucir fortísimas emociones a través de su mirada. Interpreta de una manera impresionante a un agente secreto que a pesar del inmenso dolor emocional que lo acompaña hasta el final, logra actuar de una manera bastante metódica, como si no pudiese hacer el duelo hasta haber terminado su venganza.

Ambos logran memorables actuaciones. Por su parte, todo el reparto que acompaña a Lee y Choi también hace un trabajo excelente. La bellísima banda de sonido, a cargo de Mowg, añade un dramatismo extra a las imágenes y acompaña soberbiamente cada momento del film.

Merece una mención aparte el enfermizo muestrario de asesinos psicópatas pervertidos y depravados con antecedentes penales que se encuentran en libertad, en un país donde parece no existir la cadena perpetua, disparando sobre la sociedad una ruleta rusa donde cualquiera puede ser la próxima víctima.

En resumen, una gran dirección, una fina fotografía, brillantes interpretaciones, una dosis humor negro e ironía, una música exquisita y un ritmo frenético, desesperado, convierten a este film en una auténtica obra maestra que deja a "El Silencio de los Inocentes" a la altura de una película infantil.

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La Belle Équipe

2011-08-01T04:00:00.000-07:00

Viernes 5 de agosto

Título original: "La Belle Équipe" (1936)

Dirección: Julien Duvivier
Intérpretes: Jean Gabin, Charles Vanel, Raymond Aimos, Viviane Romance, Rafael Medina, Micheline Cheirel, Charles Dorat, Marcelle Géniat, Fernand Charpin.
Guión: Charles Spaak y Julien Duvivier
Fotografía: Marc Fossard y Jules Kruger (B y N)
Música: Maurice Yvain
Producción: Arys Nissotti
País: Francia
Duración: 100 min.

Un pequeño grupo de amigos -cuatro obreros desempleados y un fugitivo español- gana un importante premio en la lotería. Después del entusiasmo inicial, se dan cuenta de que individualmente el dinero no les durará mucho y lo mejor que pueden hacer es encarar un proyecto conjunto. Entonces deciden comprar y reconstruir entre los cinco una bella "guinguette" en ruinas a orillas del Marne, entre Nogent y Joinville, a 5 millas de París. A partir de entonces, la historia rebosa alegría y camaradería, pero los problemas no tardan en aparecer.

"La Belle Équipe" es una de las películas más populares y entrañables de Julien Duvivier. Aunque para algunos no sea su mejor obra, tiene unos cuantos momentos de brillantez que le bastan para ser calificada como una obra maestra y un clásico del cine francés, y constituyó uno de los grandes éxitos del cine francés de entreguerras, especialmente recordado por la canción "Quand on se Promène au Bord de l’eau", interpretada por Jean Gabin y acompañado por el acordeonista errante Albert Deprince, que describe la felicidad que se siente al pasear a orillas del río en la guinguette.

"Cuando uno se pasea por la orilla del río
¡Qué bello es todo, qué renovador!
París a lo lejos nos parece una prisión
Uno tiene el corazón lleno de canciones".

Las "guinguettes" eran unos establecimientos típicamente franceses, a la vez restaurantes y salones de baile, que florecieron durante los años '30s hasta los '50s a orillas del Sena y del Marne. En la actualidad han desaparecido, pero hubo muchas hasta principios de los '60s, y están presentes en numerosas películas francesas, como "Sous le Ciel de Paris" (1951) del mismo Duvivier, "Une Partie de Campagne" (1936) de Jean Renoir, "Casque d'or" (1952) de Jacques Becker, o "Voici le Temps des Assassins" (1956) (también de Duvivier).

Rodada en tiempos en que apareció el frente Popular, "La Belle Équipe" capta perfectamente el espíritu de su tiempo y lo describe poéticamente. Era un momento de gran optimismo e importantes cambios sociales (en 1936 hubo por primera vez vacaciones pagas) y las empresas cooperativas aún se consideraban como un modelo para el futuro.

La película representa el más fino realismo poético -un estilo cuyos títulos más representativos fueron "L'Atalante" (1934) de Jean Vigo, "La Grande Illusion" (1937) de Jean Renoir y "Le Quai des Brumes" (1938) de Marcel Carné.

Cuando Charles Spaak terminó de escribir el guión, Jean Renoir se mostró realmente interesado en él y quiso llevarlo a la pantalla, pero Julien Duvivier ya se le había adelantado y adquirido los derechos para hacerlo.

Pero el final elegido por Duvivier no satisfizo del todo a los productores, y éstos le pidieron que hiciera otro. Por eso la película tiene dos finales: uno que fue el que quiso hacer Duvivier, y otro que hizo a pedido de los productores.
Por lo general, en la televisión francesa se pasan los dos finales seguidos, y lo mismo haremos nosotros.

Duvivier fue uno de los directores más sombríos de su tiempo, y el optimismo no era lo suyo. Si algo de esperanza había en esta película, él se encargó de apagarla en las películas subsiguientes, como "Un Carnet de Bal" (1937) y "La Fin du Jour" (1939).

Por su parte, Jean Gabin era el actor francés que personificaba todos los sueños del público y como siempre está perfecto en la película, dominando cada escena en la que aparece. Acompañado por un elenco brillante, entre los que destacan Charles Vanel (sobresaliente en la ingrata tarea de encarnar a un verdadero perdedor), Raymond Aimos (pleno de energía y vitalidad en el entrañable papel de Tintin) y una estupenda Viviane Romance haciendo una femme fatale destructiva, perversa y rapaz que encajaría perfectamente en cualquier película del mejor cine negro.

En fin, estamos ante un film inolvidable que, además de haber marcado un hito en la historia de la cinematografía francesa, se disfruta en todo momento y cuyo segundo final nos deja con una serena sensación de que, a pesar de todo, la fraternidad y el trabajo pueden triunfar en la vida.

Ver escena de Jean Gabin cantando "Quand on se Promène au Bord de l’eau":

Jean-François Rauger, director de programación de la Cinémathèque Française, presenta así "La belle équipe":

Présentation de "La belle équipe" (Julien... por lacinematheque

Pépé le Moko

2011-08-01T03:00:00.000-07:00

Viernes 12 de agosto

Título original: "Pépé le Moko" (1937)

Dirección: Julien Duvivier
Intérpretes: Jean Gabin, Mireille Balin, Gabriel Gabrio, Lucas Gridoux, Fernand Charpin, Gilbert Gil, Line Noro, Saturnin Fabre, Marcel Dalio, Charles Granval, Gaston Modot, René Bergeron, Paul Escoffier, Roger Legris, Jean Témerson
Guión: Henri La Barthe, Jacques Constant, Julien Duvivier, Henri Jeanson (Novela: Henri La Barthe)
Fotografía: Marc Fossard, Jules Kruger (B y N)
Música: Vincent Scotto, Mohamed Ygerbuchen
Producción: Pathé Cinéma
País: Francia
Duración: 94 min.

El genial escritor y novelista Graham Greene, que solía ser bastante ácido cuando hacía críticas cinematográficas, escribió que esta película era "Uno de los films más apasionantes y conmovedores que recuerdo haber visto" y que "Eleva el thriller al nivel de poesía". Según un documental de la BBC, le sirvió de inspiración para su aclamada novela "The Third Man".

El famoso gángster Pépé le Moko (Jean Gabin en una icónica interpretación) es un hombre buscado: las mujeres lo quieren, los rivales desean destruirlo, y la justicia le está pisando los talones. En la laberíntica y sórdida Casbah de Argel, donde se esconde y maneja el mundillo del hampa, Pépé está a salvo de caer en las garras de la policía, pero después de dos años allí comienza a extrañar su libertad y sobre todo París. Un día Pépé conoce a Gaby Gould (Mireille Balin), una bella turista parisina, y descubre que su corazón aún está en París, a la vez que el inspector argelino Silmane (Lucas Gridoux), sin apuro y con una paciencia interminable, trata de usarla para atraer a Pépé fuera de los confines de la Casbah para así poder atraparlo.
Uno de los más influyentes films del siglo 20 y un hito del realismo poético francés.

En el más importante film de gángsters de todos los tiempos, Duvivier lleva a la pantalla grande una emocionante historia de amor, pasión, lealtad y traición.
Para entender realmente a Humphrey Bogart, Edward Robinson, Robert Mitchum y Al Pacino, primero hay que descubrir a Jean Gabin, el gángster más arquetípico del cine.

Un magnífico film noir, tal vez uno de los mejores, filmado décadas antes de que los franceses inventaran este término que define determinado género de películas americanas que luego los franceses -como Melville, Becker y otros- desarrollarían con estilo propio.

Pero más que una historia de gángsters, es una historia de nostalgia, de una infinita nostalgia.
Hay una conmovedora escena que no puede dejar a nadie indiferente, en la cual una ex cantante de mediana edad (Frehel) pone una de una de sus viejas grabaciones en un gramófono y canta a coro con su voz que se mantiene intacta, aunque su imagen ya no se parece en nada a lo que era en su añorada juventud. Mientras se le caen las lágrimas, ella canta una canción sobre París recordando un glorioso pasado que quedó para siempre en su memoria.
En otra escena, Pépé se enamora de Gaby mientras recuerdan diferentes sitios de París, y finalmente ambos coinciden en la Place Blanche, el lugar favorito de ambos,
donde él siente que pertenece -y no a la Casbah, donde Pépé está seguro, pero no puede olvidar el sonido del Metro en París. Cuando Pépé quiere expresarle su amor a ella, le dice que ella le recuerda al Metro de París.
En uno de los más desesperantes finales de la historia del cine, Duvivier pone al descubierto la supremacía del corazón, incluso el corazón de un criminal.

Julien Duvivier es uno de los mejores directores de cine franceses de todos los tiempos. Fue un pionero y un innovador que dejó un valiosísimo legado en la historia del cine. Fácilmente podemos encontrar la influencia de "Pépé le Moko" en diversos films como "The Third Man", "Odd Man Out", "Casablanca", "The Time Of Your Life", "To Have And Have Not", "The Wages of Fear", -e incluso "Pepe le Pew".

Pepe Le Pew - The Cats Bah! por davidknight2

Gabin adquirió una notable popularidad con su encarnación de héroes románticos y de origen humilde en filmes como "La Bandera" (1935) y "La Belle Équipe" (1936), ambas dirigidas por Duvivier, y "Los Bajos Fondos" (1936), de Jean Renoir. "Pépé le Moko" (1937), también de Duvivier, fue sin ninguna duda su primer gran éxito internacional. En ella Gabin interpreta al personaje del título, un elegante ladrón que se esconde de la policía en la Casbah de Argel, y vive una trágica historia de amor con una mujer de París. Pépé le Moko obtuvo un éxito sin precedentes en la historia del cine francés. Jean Gabin personifica a un Pépé que es a la vez un hombre divertido, un criminal, un amante, un fugitivo, y un actor fabuloso que se expresa con total convicción. Gabin es uno de los mejores actores que ha dado el cine francés, y Pépé es una de sus mejores creaciones para la pantalla.

Si bien el guión es bastante simple, aquí es la atmósfera lo que vale, y la colorida variedad de caracteres que rodean al protagonista. Con la espléndida fotografía e iluminación de Marc Fossark y Jules Kruger, Duvivier capta la esencia y el misterio de Argel y la Casbah, internándose y explorando la diversidad cultural de los habitantes de la Casbah y su paisaje arquitectónico a principios del siglo XX.

"A vista de pájaro, el barrio de Argel que se llama la Casbah, profundo como un bosque, y hormigueante como un hormiguero, es una extensa escalera en la que cada terraza es un camino que desciende hacia el mar. Entre estos caminos, callejuelas tortuosas y sombrías, callejuelas en forma de atalayas de vigilancia, callejuelas que se cruzan, coinciden, se entrelazan, se desentrelazan en un desbarajuste de laberintos. Unas estrechas, otras abombadas como bodegas. Por todos los lados, en todos los sentidos, escaleras, subidas bruscas como escalas, pendientes hacia pozos oscuros y apestosos, porches que exudan, obscuros, invadidos por los gusanos... y por la humedad.
Los cafés, sombríos, están llenos a toda hora. Silenciosos callejones con nombres raros... 'Calle de la Impotencia', 'Calle de la Ciudad de Soum Soum', 'Calle del Hotel de la Miel' 'Calle del Hombre de la Perla'.
Viven cuarenta mil donde solo deberían ser diez mil. Cuarenta mil venidos desde todas partes, los de antes de la conquista, los de pasado berberisco, y sus descendientes honestos, tradicionalistas, y para nosotros, misteriosos. Cabileños, Chinos, Gitanos, Heimatlos, Eslavos, Malteses, Negros, Sicilianos, Españoles, y chicas de todos los países, formas y medidas. Altas, gordas, pequeñas, sin edad, sin forma, abismos de grasa donde nadie se atreve a arriesgarse...
Casas con patios interiores, aislados como células sin límites máximos y sonoros como pozos, que se comunican entre ellas por las terrazas que los dominan. Terrazas que son del dominio exclusivo de las mujeres del lugar. Pero los europeos los toleran. Forman una ciudad aparte, de escalón en escalón, descendiendo así hasta el mar. Colorida, dinámica, múltiple, ruidosa, no hay una Casbah; hay cientos. Miles."

"Pépé le Moko" fue hecha de nuevo en 1938 con el nombre de "Algiers" con muy pobres resultados (el protagonista fue Charles Boyer). Su productor Walter Wanger intentó comprar y destruir todas las copias del film original de Duvivier, a la vez que compró los derechos para mantenerla fuera de las pantallas, con la finalidad de que sólo quedara disponible su remake, pero afortunadamente los planes le salieron mal, gracias a lo cual aún podemos disfrutar esta inolvidable obra maestra de todos los tiempos.

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Mentes Perversas

2011-08-01T02:00:00.000-07:00

Viernes 19 de agosto

Título original: "Voici le temps des assassins..." (1956)

Dirección: Julien Duvivier
Intérpretes: Jean Gabin, Danièle Delorme, Robert Arnoux, Liliane Bert, Gérard Blain, Lucienne Bogaert, Germaine Kerjean, Gabrielle Fontan.
Guión: Julien Duvivier, Charles Dorat, Pierre-Aristide Bréal (Historia: Julien Duvivier, Charles Dorat, Maurice Bessy)
Fotografía: Armand Thirard (B y N)
Música: Jean Wiener
Producción: Compagnie Industrielle et Commerciale Cinématographique (CICC) / Société Nouvelle Pathé Cinéma / Les Films Agiman
País: Francia
Duración: 113 min.

Catherine –una ingenua carita de ángel de veinte años– llega a París con una sola maleta y un dato: el nombre de André Chatelin, renombrado chef, dueño de un restaurante en Les Halles, y ex marido de su madre más de dos décadas atrás. La joven acaba de quedar huérfana y Chatelin, para disgusto de su propia madre, la acoge en su casa. Paulatinamente, las primeras y cándidas apariencias dejan paso a certezas bastante más macabras. En el contexto del cine francés industrial de la época, Duvivier desconcertó con este puñado de personajes femeninos tremendamente amorales, sórdidos y derrumbados. (FILMAFFINITY)

Julien Duvivier, el maestro del cine noir francés se supera a sí mismo y realiza esta obra maestra, que deja atrás todos los trabajos anteriores alcanzando la cumbre de su carrera. Ayudado por su espléndido reparto, Duvivier nos atrapa desde el principio hasta el final de este film pleno de intriga, maldad, suspenso y un ritmo sin cuartel. Esta gema es la prueba definitiva de que el cine francés no estaba para nada moribundo a finales de los cincuenta. Por lo contrario, casi nos atreveríamos a decir que la llamada "Nouvelle Vague" ha sido un paso atrás.

Y nuevamente tenemos al gran Jean Gabin, el gigante del cine francés, encarnando maravilosamente a André Chatelin, un prestigioso chef propietario de un distinguido restaurante en Les Halles de París, lugar donde ahora se encuentra el Forum Des Halls.

"- ¿Tiene Coca-Cola en su Carta?
- No, señora. Esto es un restaurante, no una farmacia."

El papel de Chatelin fue escrito expresamente para Jean Gabin. Un personaje fuerte y desbordante de realismo que le queda como un guante, en el cual los guionistas no dejaron pasar la oportunidad de divertirse un poco a costa de unos turistas americanos -que están bastante lejos de ser gourmets- en el restaurante de Chatelin.

"Es el tiempo de los asesinos.
La hora de la soga y la traición.
La hora sin piedad ni compasión
por las vidas de los hombres..."

(De la banda de sonido, "La Complainte des Assassins";
con letra de Julien Duvivier y música de Jean Wiener;
interpretada por Germaine Montero)

El título original del filme, que podría traducirse como "Es el tiempo de los asesinos", hace referencia y es la última frase de un poema de Rimbaud, "Matinée d'ivresse" (la mañana de la intoxicación) ("Les Illuminations", 1873-1875).

Y es que, a excepción de Chatelin, su cuasi hijo adoptivo Gérard Delacroix (interpretado por Gérard Blain, a quien Duvivier encontró en la barra de un bar parisino y pensó que físicamente podría encajar perfectamente en este personaje) y algunos empleados y clientes, casi todos los demás personajes de esta película -especialmente los femeninos- son mala semilla, o, en el mejor de los casos, no son ningún dechado de virtudes.

Catherine, el personaje de Danielle Delorme, es una de las arpías más perversas y retorcidas que se han visto en la pantalla grande; es la perversidad personificada. Delorme está soberbia como paradigma de una femme fatale manipuladora con cara de mosquita muerta e instinto criminal. Una psicópata despiadada capaz de hilar una sarta interminable de mentiras sin pestañear.

El personaje de Germaine Kerjean, la madre de André Chatelin, si bien no es ninguna criminal, es una mujer de carácter bastante fuerte. No sólo se había puesto en contra del anterior matrimonio de su hijo, sino que aún continúa manejando su vida como si fuera un niño, siempre con la intención de protegerlo. Además sabe manejar el látigo con maestría (en una escena se la ve matando pollos a latigazos en su guinguette) y no está dispuesta a tolerar a Catherine, en quien no confía ni un milisegundo ¡y para colmo es la hija de la ex-mujer de su hijo! -cuando André le presenta a Catherine y le pregunta qué le parece, ella le contesta que le da escalofríos.

Por último, Gabrielle, el personaje de Lucienne Bogaert, es el más sórdido, desagradable y siniestro que se haya visto en el cine hasta entonces. Totalmente arruinada y deformada en un rictus de desesperación por el alcohol y las drogas; desquiciada, avara y demandante, es la decadencia personificada, en el peor de los sentidos. Asquerosamente manipuladora, es pavorosa la manera en que se regodea planificando un asesinato.

Para no desentonar, el personaje de Gabrielle Fontan (el ama de llaves de Chatelin) es una solterona fisgona que no soporta a Catherine, y merodea por la casa llevando y trayendo chismes sobre la advenediza.

El resto del elenco es igualmente fabuloso. En un papel secundario corto pero clave, vemos a Robert Manuel (quien un año antes habría sido uno de los coprotagonistas de "Rififí" de Jules Dassin interpretando al italiano Mario Ferrati), dando vida aquí a Mario Bonnacorsi, un alegre putañero de buenas intenciones y rasgos gardelianos que una noche por casualidad recala en el restaurant.

La excelente fotografía en blanco y negro y las locaciones o platós representan perfectamente la cultura popular parisina; desde el viejo mercado de Les Halles (una sitio hoy desaparecido del centro de París y trasladado a las afueras, pero que en su momento supo ser el corazón de la ciudad), o la típica guinguette (ya hemos hablado de las guinguettes en "La Belle Équipe"; aquí la madre de Chatelin vive en una que está situada en Lagny-sur-Marne), hasta lo más sórdido, como el Hôtel du Charolais, donde vivía Gabrielle.

Una auténtica exquisitez para gourmets del buen cine, altamente recomendable.

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Topkapi

2011-07-01T05:00:00.000-07:00

Viernes 1 de julio

Título original: "Topkapi" (1964)

Dirección: Jules Dassin.
Intérpretes: Peter Ustinov, Melina Mercouri, Maximiliam Schell, Akim Tamiroff, Robert Morley.
Guión: Monja Danischewsky (Novela: Eric Ambler)
Fotografía: Henri Alekan
Música: Manos Hadjidakis
Producción: United Artists
País: EE.UU.
Duración: 120 min.

Topkapi es un maravilloso "caper film" que sentó las bases del género de las películas livianas de atracos. Muy imitadas incluso en la actualidad (véase por ejemplo "Mission: Impossible" de Brian de Palma), en su momento causó gran impacto.

Con un reparto internacional estupendo (en el cual se destaca la performance de Peter Ustinov, que le valió el Oscar), locaciones exóticas (coloridos mercados, mezquitas, ferias, antiguas calles y tejados de Estambul) y un gran climax (la escena del robo en el museo es uno de sus grandes momentos, de la cual han bebido otros films posteriores del género), este film es puro entretenimiento, con un ritmo y humor con toques psicodélicos que no decaen en ningún momento, gracias a la enorme maestría y sensibilidad de un director del prestigio de Jules Dassin.

Basado en la obra de Eric Ambler "The Light Of Day", la película cuenta la ejecución de un robo perfectamente planeado en un museo altamente custodiado: el Palacio Topkapi de la ciudad de Estambul, en Turquía, donde se encuentra un fabuloso puñal de oro incrustado con esmeraldas y diamantes de valor incalculable.

La banda es liderada por Elizabeth Lipp (la histriónica Melina Mercouri, esposa de Jules Dassin en la vida real), una ambiciosa ladrona que quiere robar la daga junto a su amante Walter Harper (Maximilian Schell), pero necesitan contar con algunos aficionados sin antecedentes policiales, que terminan complicando las cosas. Entre ellos se encuentra Arthur Simpson (Ustinov), memorable en su papel al igual que el divertidísimo cocinero alcohólico que interpreta Akim Tamiroff y otros personajes.

Una verdadera gema para los amantes del género.

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La Ciudad Desnuda

2011-07-01T04:00:00.000-07:00

Viernes 8 de julio

Título original: "The Naked City" (1948)

Dirección: Jules Dassin
Intérpretes: Barry Fitzgerald, Howard Duff, Dorothy Hart, Don Taylor, Frank Conroy, Ted de Corsia
Guión: Albert Maltz, Malvin Wald (Historia: Malvin Wald)
Fotografía: William H. Daniels (B y N)
Música: Miklós Rózsa, Frank Skinner
Producción: Universal International Pictures
País: EE.UU.
Duración: 96 min.

"Señoras y señores, la película que van ustedes a ver se llama "La Ciudad Desnuda". Mi nombre es Mark Hellinger y soy quien la produjo.
Sinceramente, les diré que se trata de algo diferente de casi todas las películas que hayan podido ver. Fue escrita por Albert Maltz y Malvin Wald, fotografiada por William Daniels y dirigida por Jules Dassin. Como pueden ver, sobrevolamos una isla, una ciudad. Una ciudad bastante especial. He aquí la historia de multitud de gentes y también la historia de la ciudad misma. Esta película no ha sido rodada en estudio. Al contrario. Barry Fitzgerald, nuestra estrella, Howard Duff, Dorothy Hart, Don Taylor, Ted De Corsia y los demás actores han interpretado sus papeles en las calles, los edificios, los rascacielos de Nueva York... Y con ellos, millares de neoyorquinos han interpretado su propio papel. Esta es la ciudad tal cual es. Las soleadas aceras veraniegas, los niños que juegan, las casas de piedra, las gentes sin maquillaje."

Así presenta la película la voz en off del narrador, Mark Hellinger, productor de la misma.

Influenciado por la estética neorrealista de moda en la Europa de posguerra, este film se ha convertido en un punto de referencia del naturalismo en el cine negro, siendo una fuente de inspiración de numerosos filmes e incluso de una serie de televisión que se llamó "Naked City" (1958-63).

Pero si seguimos desentramando esta obra nos vamos a encontrar con el factor noir en el comportamiento oscuro y mentiroso de sus protagonistas, la noche como telón de fondo donde suceden los hechos más inquietantes y por sobre todo la perdición de los hombres por una misteriosa mujer que increíblemente no vemos nunca a pesar de saber que es trágicamente bella. Esta historia, que además se nutre del policial de enigma reflejado en los métodos deductivos del detective irlandés, compuesto por un maduro y sabiondo Barry Fitzegrald, aparece como un eslabón extraño dentro de la serie de policiales que se venían haciendo hasta ese momento, para marcar un hito no sólo por su calidad de diferente, sino por su magnífica factura. Este es de esos films que no sólo nos cuentan una historia; también abren una ventana maravillosa a la sociedad del pasado y sus costumbres urbanas más cotidianas. Gente tomando el tranvía o yendo a trabajar, madres criando a sus hijos o repartidores de periódicos haciendo su trabajo bien temprano en la madrugada, retratan a aquel Nueva York de los años '40.

Pero no olvidemos a los personajes que componen la cinta, entre los que se destacan, aparte del ya mencionado inspector, un mentiroso empedernido y un sospechoso asesino que además de practicar lucha libre, toca su armónica para los niños con extrema calidez. Fotografiado por el inconfundible cámara William H. Daniels (de vasta trayectoria en Hollywood) y dirigido por el corrosivo Dassin hubo un curioso protagonista detrás de escena. Un joven que aprendió mucho de esta experiencia y que se nutrió de detalles e ideas que plasmaría más adelante en sus películas. El personaje fue nada más ni nada menos que Stanley Kubrick. El futuro director, que por entonces tenía 20 años, trabajaba como fotógrafo de la revista Look y fue encomendado para cubrir el rodaje. Años después y ya consagrado como realizador, nos queda ver aquella recordada imagen de un perro desbaratando un plan perfecto en "The Killing".
(Los dos últimos párrafos fueron extraídos -sin spoilers- de "Otros Clásicos" http://otrosclasicos.blogspot.com/2007/07/naked-city-1948.html)

Ganadora de dos premios Oscar (Mejor Fotografía (ByN) y Mejor Montaje, y nominada además a Mejor Argumento, además de otros premios y nominaciones.

"Hay 8 millones de historias en la ciudad desnuda. Esta ha sido una de ellas."

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Mercado de Ladrones

2011-07-01T03:00:00.000-07:00

Viernes 15 de julio

Título original: "Thieves' Highway" (1949)

Dirección: Jules Dassin
Intérpretes: Richard Conte, Valentina Cortese, Lee J. Cobb, Barbara Lawrence, Jack Oakie, Millard Mitchell, Joseph Pevney
Guión: A.I. Bezzerides basado en su novela "Thieves Market".
Fotografía: Norbert Brodine (B y N)
Música: Alfred Newman
Producción: Twentieth Century-Fox
País: EE.UU.
Duración: 94 min.

Último film realizado en EEUU por Jules Dassin poco antes de emigrar a Europa a causa de la “Caza de brujas”, "Thieves' Highway" describe el mundo peligroso de los camioneros de larga distancia que manejan de noche para llevar sus mercancías a los mercados centrales de las ciudades americanas.

Richard Conte encarna maravillosamente a un ex-soldado llamado Nick Garcos, devenido en camionero novato para poder vengar a su padre enfrentando al despiadado Mike Figlia (un convincente Lee J. Cobb), el empresario deshonesto y cruel que, además de robarle a su padre, le hizo perder sus dos piernas en un accidente. Pero las cosas no son tan fáciles y primero debe recuperar el viejo camión destartalado de su padre, para lo cual tiene que compartir la ganancia de su cargamento de manzanas con un compañero de ruta en el cual no confía del todo (Ed Prentiss, interpretado por Millard Mitchell), y son seguidos de cerca por dos competidores, Slob y Pete (Jack Oakie y Joseph Pevney). En ese mundillo de trabajo nocturno, Nick conoce a una mujer (Valentina Cortese) que lo invita a su casa y pronto Nick se ve envuelto en una red de engaños, trampas y traiciones, si bien los personajes son complejos y no siempre predecibles.

Conte, como Burt Lancaster, proviene de un ambiente callejero que, después de un ring de box, es lo que mejor lo ha podido formar a la hora de hacer este tipo de papeles. Conte interpretó su papel tan bien que fue elegido luego para repetir el rol en TV seis años después bajo el título de "Overnight Haul" en la Hora de 20th Century-Fox.

Thieves' Highway es un film noir sin detectives ni policías, que se parece en algún aspecto a la posterior "El Salario del Miedo": los camiones, la ruta, el papel del empresario mafioso y abusivo, la tensión permanente y un suspenso perturbador.

Magistralmente filmada en escenarios reales de San Francisco, la fotografía en blanco y negro de Norbert Brodine consigue momentos inolvidables, como el cambio de neumáticos en medio de la ruta iluminado por las luces de los vehículos que pasan (donde logra crear una tensión similar a la del robo en Rififí), la llegada después de una noche agotadora manejando en la ruta a un mercado ya bullicioso, iluminado y rebosante mucho antes del amanecer, o la desgarradora escena de las manzanas rodando por la colina.

El estupendo guión, basado en el libro "Thieves Market" del mismo A.I. Bezzerides fluye naturalmente hasta el final. Bezzerides fue un novelista y guionista conocido por escribir guiones de numerosas películas de cine negro, tales como "They Drive by Night" (1940), "Track of the Cat" (1954) o "Kiss Me Deadly" (1955), entre otros.

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Sembrando Ilusiones

2011-06-01T10:00:00.000-07:00

Viernes 3 de junio

Título Original: "Lo Scopone Scientifico" (1972)

Dirección: Luigi Comencini
Intérpretes: Alberto Sordi, Bette Davis, Silvana Mangano, Joseph Cotten, Mario Carotenuto, Domenico Modugno, Franca Scagnetti.
Guión: Rodolfo Sonego
Fotografía: Giuseppe Ruzzolini
Música: Piero Piccioni
Producción: C.I.C. / Dino de Laurentiis Cinematografica / Produzione Cinematografiche Inter.
Ma. Co. País: Italia
Duración: 113 min.

Irónica, divertida, de inusitada profundidad en sus dobles sentidos, “Sembrando ilusiones” fue en su día otra de esas películas que, a pesar de ser muy bien recibida por el público en general, no contó con la popularidad que merece debido a la muy mala distribución que tuvo en su momento.

Es uno de los mejores films de su director, Luigi Comencini, quien reunió a tres grandes actores protagónicos, la gran Bette Davis, el genial Alberto Sordi y una madura Silvana Mangano en plenitud, más el acompañamiento de grandes secundarios, como Joseph Cotten y el también cantante Domenico Modugno.

Juntos dan vida a una metáfora un tanto sui generis sobre una de las principales obsesiones de un realizador altamente preocupado por el humanismo: el fatal destino de las clases menos favorecidas. Lo que no deja de ser, aunque de una manera un tanto peculiar, una reivindicación del concepto de lucha de clases aunque, eso sí, con un fortalecido rostro humano. Aquí los ricos se burlan de los pobres esperanzándolos con sus promesas de ofrecerles un futuro mejor, que al final nunca llega, pero sin dejar de lado toda la picardía de la comedia italiana clásica.

Supone una descarnada mirada sobre las miserias de la condición humana y está planteada en las antípodas del espíritu de optimistas y politicamente correctos directores norteamericanos como Frank Capra; el film viene cargado con el típico paisaje italiano de su ruidosa y entrañable clase baja, con todo el divertido bagaje de "hermosos perdedores" y marginales sociales (de la prostituta callejera, al jugador profesional de cartas, pasando por el botellero, menores de edad trabajando en empresas fúnebres, etc).

Como detalle de color hay que señalar que esta fue la última película de cierto fuste en la que intervino Bette Davis, quien como muchas otras estrellas de la época dorada de Hollywood pasó sus últimos años interviniendo en películas menores y en poco destacables trabajos televisivos.

Ganadora del David di Donatello a Mejor actor (Alberto Sordi) y Mejor actriz (Silvana Mangano).

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Made In Italy

2011-06-01T09:00:00.000-07:00

Viernes 10 de junio

Título Original: "Made In Italy" (1965)

Dirección: Nanni Loy
Intérpretes: Alberto Sordi, Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Nino Manfredi, Lando Buzzanca, Walter Chiari, Lea Massari, Catherine Spaak, Virna Lisi, Sylva Koscina, Aldo Giuffrè, Renzo Marignano, Claudio Gora, Peppino De Filippo, Nino Castelnuovo.
Guión: Nanni Loy, Ettore Scola y Ruggero Maccari
Fotografía: Ennio Guarnieri
Música: Gianni Boncompagni, Carlo Rustichelli, Piero Umiliani.
Producción: Gianni Hecht Lucari, Fausto Saraceni
País: Italia
Duración: 100 min.

Realizada en la misma tradición que la exitosa "Los Monstruos" de Dino Risi unos años antes (un film mosaico ensamblado en distintos episodios), esta clásica comedia "alla italiana"
es un caleidoscopio de once episodios vagamente unidos en cinco capítulos.

La tonalidad del film va de la sátira vitriólica a las viñetas cuasi antropológicas. Todos los aspectos de la italianidad de la época son cuestionados o burlados o diseccionados en esta divertida pero profunda (en su crítica) mirada: usos, costumbres, personajes, instituciones, etc.

El casting de actores es realmente impresionante: Anna Magnani, Aldo Fabrizi, Lando Buzzanca, Walter Chiari, Lea Massari, Catherine Spaak, Virna Lisi, Sylva Koscina, Nino Manfredi y Alberto Sordi, entre otros.

El guión está escrito por el propio Nanni Loy junto a nada menos que Ettore Scola, quienes no se olvidan de agregar el tratamiento justo de denuncia y crítica social a sus divertidas historias, muchas de las cuales han servido de inspiración a cientos de sketches cómicos durante los últimos cuarenta años.

Algunos episodios son muy breves y otros más elaborados, destacándose el episodio de la Magnani que vive una verdadera odisea al tratar de cruzar una avenida con su larga familia, la pesadilla Kafkiana (pero itálicamente desopilante) de Nino Manfredi en una ofícina pública intentando hacer un trámite y, por sobre todos, la obra maestra de Alberto Sordi en un inolvidable sketch donde hace de esposo infiel descubierto por su esposa in fraganti.

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El Mafioso

2011-06-01T08:00:00.000-07:00

Viernes 17 de junio

Título Original: "Mafioso"

Dirección: Alberto Lattuada
Intérpretes: Alberto Sordi, Norma Bengell, Gabriella Conti, Ugo Attanasio, Cinzia Bruno, Katiusca Piretti, Armando Tine.
Guión: Marco Ferreri, Rafael Azcona, Age, Scarpelli (Historia: Bruno Caruso)
Fotografía: Armando Nannuzzi
Música: Nino Rota y Piero Piccioni
Producción: Compagnia Cinematografica Antonio Cervi/Dino de Laurentiis Cinematografica
País: Italia
Duración: 100 min.

Alberto Lattuada es uno de los grandes olvidados del cine italiano, sin el reconocimiento internacional de su amigo Fellini (con el que co-realizó varias películas), de los neorrealistas, con los que no se identificaba, o de los existencialistas como Antonioni o Visconti.

Y sin embargo "Mafioso" es una gran película, certera, inteligente a rabiar, divertidísima y políticamente valiente. Comienza como una comedia de costumbres para convertirse en una pesadilla de corte surrealista. Un siciliano que se ha instalado en Milán y trabaja diligentemente en la Fiat, vuelve tras muchos años por primera vez a Sicilia, con su mujer y dos hijas, las tres monas y rubias. Orgulloso de demostrar en su persona que un humilde inmigrante del sur (un "terrone") puede, a pesar de los prejuicios del norte, ser tan preciso como un reloj suizo, el protagonista (encarnado por un inmenso Alberto Sordi) hace todo por ser un hombre moderno, racional y ordenado, un hombre de la Italia industrial y democrática.

La llegada a su idiosincrásico pueblo natal, tras un viaje de varios días en tren, y sobre todo a su casa familiar, está mostrada en una secuencia que resume la quintaesencia de la comedia italiana de costumbres: trufada de bromas sobre las diferencias norte/sur, de clichés, ruidosa, llena de conversaciones inacabadas y presentando toda una galería de personajes hiper-caracterizados (la hermana bigotuda, la madre silenciosa y desconfiada, el padre manco). Al final de la secuencia, Sordi rompe a cantar en siciliano, coreado por toda su familia. Esos minutos son de por sí una pequeña obra maestra del género que nos hace creer que estamos en terreno familiar, que nos podemos estirar en la butaca y disfrutar de una comedieta sin pretensiones.

Pero en realidad "Mafioso" es el primer film de la historia de Italia que se atrevió a hablar directamente de la mafia y adopta para ello un método narrativo dual. De la comedia de costumbres, la película desliza poco a poco hacia una sombría comedia negra, apuntalada por un tono surrealista y por una estética tomada del cine negro americano. Esa dualidad es la del protagonista, que al volver a la tierra parece caer en un hechizo y olvida poco a poco sus pretensiones racionalistas para entregarse al código de vida siciliano, el del honor, el silencio y el respeto por la voluntad del Don. Sordi encarna a perfección esa transición, jugando magistralmente con los acentos y los gestos, sobre todo en la escena en que toma una pistola en un banco de feria y, concentrado en una especie de éxtasis ridículo y subconsciente, acierta a todas las dianas.

Algo antes, la hilarante secuencia en que su padre, un octogenario manco y esquelético, se enzarza a trompadas con otro octogenario que parece un sosia suyo porque le ha llamado "cornuto", nos empieza a indicar hacia qué territorio nos quiere llevar Lattuada, el de un surrealismo pesimista que debe mucho al Buñuel mexicano.
La película no es sólo una crítica de la mafia, sino que es un esfuerzo sincero por entender las contradicciones de la sociedad siciliana.

(Extraído -sin spoilers- del blog "Nacho Asenjo Ruiz"; http://nachoasenjo.blogspot.com/2008/10/mafioso-1962-de-alberto-lattuada.html)

Como curiosidad, cabe decir que el personaje de don Vicenzo sirvió de inspiración a Coppola para el de don Vito Corleone en su película "El Padrino" (1972), y la historia también a David Chase, creador y productor de la serie televisiva "Los Soprano".

"Un clásico poco conocido que ofrece una amplia variedad de placeres a los que la mayoría de las películas actuales [año 2007] apenas pueden aspirar." (Kenneth Turan: Los Angeles Times)

Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián.

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Detenido en Espera de Juicio

2011-06-01T07:00:00.000-07:00

Viernes 24 de junio

Título original: "Detenuto in Attesa di Giudizio" (1971)

Dirección: Nanni Loy
Intérpretes: Alberto Sordi, Elga Andersen, Lino Banfi, Andrea Aureli, Antonio Casagrande
Guión: Sergio Amidei, Emilio Sanna
Fotografía: Sergio D'Offizi
Música: Carlo Rustichelli
Producción: Documento Film
País: Italia
Duración: 100 min.

El romano Giuseppe Di Noi, después de vivir ocho años en Suecia, casado con una mujer sueca y con dos hijos suecos, decide tomar unas vacaciones con su familia en su Italia natal. Pero al llegar a la frontera lo invitan a descender del auto e ir a las oficinas policiales, donde queda detenido y es arrestado sin que recibir ninguna explicación. A partir de allí, comienza un calvario interminable, capaz de enloquecer a cualquiera.

Un film-denuncia de Nanni Loy, una pesadilla kafkiana profundamente metida en la realidad italiana, que causó gran revuelo por ser la primera vez que una obra cinematográfica denunciaba sin medias tintas el atraso y la dramática inadecuación de los sistemas judicial y penitenciario italianos.

Este fue el primer papel enteramente dramático de Sordi, que le hizo ganar el David di Donatello y el Oso de oro en el Festival de Berlín.

Una obra maestra del cine italiano, que cuenta con una memorable interpretación de Sordi, un guión excelente, y la admirable dirección de Nanni Loy. La música original es de Carlo Rusticcelli, uno de los más prolíficos compositores del cine italiano.

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Sahara

2011-05-01T12:00:00.000-07:00

Viernes 6 de mayo

Título original: "Sahara" (1943)

Dirección: Zoltan Korda
Intérpretes: Humphrey Bogart, Bruce Bennett, J. Carrol Naish, Lloyd Bridges, Rex Ingram, Rex Ingram, Dan Duryea, Carl Harbord, Patrick O'Moore, Louis Mercier, Kurt Kreuger, John Wengraf.
Guión: John Howard Lawson, Zoltan Korda
Fotografía: Rudolph Maté
Música: Miklos Rozsa
Producción: Columbia Pictures
País: EE.UU.
Duración: 97 min.

"Sahara" es sin dudas uno de los más claros exponentes del triunfo del cine por sobre todo: sobre la propaganda (fue filmada en plena II Guerra Mundial), sobre la industria y sobre los prejuicios (disfrutar una buena película bélica no equivale a ser militarista o imperialista). Logrados personajes, acción bien escenificada, grandes diálogos, excelente montaje y actuaciones creibles y naturales de actores de carne y hueso, nos remiten a lo mejor hecho por Hollywood en su época dorada.

Se trata de una de las mejores y más entretenidas películas bélicas, tomada como modelo en muchas ocasiones, que tiene emoción, tensión y espectaculares escenas de combate.

Protagonizada con sobriedad por el mítico Humphrey Bogart,, un año después de su éxito con Casablanca es muy raro que se vea en retrospectivas sobre el gran actor, a pesar de tratarse de uno de sus papeles más arquetipicamente heroicos.

La acción se sitúa en el norte de Africa durante la Segunda Guerra Mundial. La importante ciudad libia de Tobruk acaba de caer. El sargento Joe Gunn (Humphrey Bogart) y lo que queda de su pelotón se ven obligados a retirarse a través del desierto en su tanque "Lulubelle". Los supervivientes, además de Gunn, son Hoyt (Bruce Bennet) y Jimmy Doyle (Dan Duryea). Los tres van en su tanque, con escasez de gasolina, agua y víveres. A medida que avanzan, la situación se hace desesperante. En el camino recogen a seis soldados aliados británicos. Deciden dirigirse hacia una antigua fortaleza, con la esperanza de encontrar agua. Pero para colmo de infortunios, son atacados por un grupo de soldados alemanes. La única salida que les queda, en la inmensidad del desierto, es combatir, pero no podrán resistir por mucho tiempo.

Obtuvo de 3 nominaciones al Oscar: Actor Secundario (J. Carrol Naish), Fotografía B&N, y Sonido.

Foto de Humphrey Bogart con los soldados que trabajaron como extras en la película -irónicamente haciendo de nazis-, muchos de los cuales nunca pudieron ver el estreno ya que murieron durante la II Guerra Mundial en Europa. Foto tomada durante la filmación.

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Pasaje a Marsella

2011-05-01T11:00:00.000-07:00

Viernes 13 de mayo

Título original: "Passage To Marseille" (1944)

Dirección: Michael Curtiz
Intérpretes: Humphrey Bogart, Claude Rains, Michèle Morgan, Philip Dorn, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, George Tobias, Helmut Dantine, John Loder, Victor Francen, Vladimir Sokoloff, Eduardo Ciannelli.
Guión: Casey Robinson, Jack Moffitt (Novela: Charles Nordhoff, James Norman Hall) .
Fotografía: James Wong Howe (Blanco y Negro)
Música: Max Steiner
Producción: Warner Bros. Pictures
País: EE.UU. Duración: 109 min.

"Pasaje a Marsella" -a pesar de no seguir la continuidad de la historia de "Casablanca"- es en muchos aspectos la continuación perfecta del magnífico clásico. Rodada menos de un año después en los mismos estudios (Warner Bros), por el mismo director (el prodigio húngaro Michael Curtiz) y practicamente el mismo cast de actores secundarios: Claude Rains, Peter Lorre y Sidney Greenstreet. El gran Humphrey Bogart hace de un periodista antifascista y patriota, en uno de su roles más dramaticamente heroicos, y la protagonista femenina cambia de la sueca Ingrid Bergman por la francesa Michele Morgan (triunfante del clásico "Muelle de las brumas"). La banda sonora combina épicas partituras de la mano del virtuoso Max Steiner, otro partícipe de la mítica "Casablanca".

La trama de este título adapta una novela de Charles Nordhoff y James Norman Hall, presentándose en forma de largos flashbacks. Una historia que nos sumerge en las peripecias de Jean Matrac, un columnista francés que se ve perseguido tras redactar un artículo referido a la ascensión del fascismo en la Francia de antes de la guerra. El patriotismo será una constante a lo largo de todo el film; causado sin ninguna duda por el período en el que se produjo el rodaje. Estéticamente este título está muy cuidado, situando al espectador en unos ambientes muy variados, que van desde la asfixiante selva de la isla del diablo hasta la alegre campiña inglesa. A la hora de rodar, el gran artesano Michael Curtiz lleva a cabo un excelente trabajo, la amplitud de planos y la rotundidad de encuadres logran amenizar el film en gran medida. La sobria fotografía de James Wong es otro factor a tener en cuenta dentro de lo visual.

La película combina fuertes dosis de acción y dramatismo en los más cambiantes paisajes geográficos, en una impactante y emocionante historia de patriotismo y dignidad llevada de la mano de uno de los directores más infravalorados de la historia del cine -Michael Curtiz- y protagonizada por quien sigue siendo considerado la máxima estrella masculina del séptimo arte: Humphrey Bogart.

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Tener y no Tener

2011-05-01T08:00:00.000-07:00

Viernes 27 de mayo

Título original: "To Have and Have Not" (1944)

Dirección: Howard Hawks
Intérpretes: Humphrey Bogart, Walter Brennan, Lauren Bacall, Dolores Moran, Hoagy Carmichael, Sheldon Leonard, Walter Szurovy, Marcel Dalio, Walter Sande, Dan Seymour, Aldo Nadi.
Guión: Jules Furthman & William Faulkner (Sobre una novela de Ernest Hemingway)
Fotografía: Sid Hickox
Música: Franz Waxman
Producción: Warner Bros. Pictures
País: EE.UU.
Duración: 100 min.

¿Qué se puede agregar a estas alturas sobre una de las más grandes Obras Maestras del cine clásico de Hollywood?

Una sencilla historia de aventuras ambientada en La Martinica en la 2ª Guerra Mundial sirve al maestro Howard Hawks para rodar una impresionante película sobre la búsqueda de la libertad individual, una apología del cinismo y un canto a la amistad. Claro que Hawks no está solo en esto (a pesar de ser responsable de agregados importantes en el guión) ya que cuenta con el aporte de nada menos que dos premios Nobel de Literatura, como su amigo Ernest Hemingway (responsable de la novela sobre la que se basa la película) y William Faulkner en el guión cinematográfico y los maravillosos diálogos que caracterizan a "Tener y no tener".

Como toda película completa y verdaderamente grande cuenta con papeles y actores secundarios increibles: el del borrachín Eddie (interpretado por uno de los más grandes "roba-escenas" de la historia del Hollywood clásico: Walter Brennan), el bohemio pianista interpretado nada menos que por Hoagy Carmichael (el gran músico autor de gemas como "Stardust") o la sensual "femme fatale" interpretada por Dolores Moran, todos perfectos acompañantes y complementos de la icónica pareja protagonista.

La dupla Bogart/Bacall (él con 44 años en el pico de su carrera y ella con sólo 19 en su debut cinematográfico) se saca chispas en cada escena, conformando una de las experiencias cinematográficas mas disfrutables e inolvidables de la historia.

El caso es que no parece casualidad que Humphrey Bogart y Lauren Bacall, pese a la diferencia de edad, se enamorasen como adolescentes durante la filmación de “Tener y no tener”. Cada palabra entre ellos, cada cruce de miradas y cada segundo que permanecen juntos ante la cámara demuestran el asombroso magnetismo entre la pantera adolescente y el halcón misántropo, sin dudas la pareja con más química sexual de toda la historia del cine. Como el mismo Bogart señalara posteriormente en un reportaje la película es: "de la más entretenida ficción en las partes de acción y puro documental en las escenas de amor".

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Roma, Ciudad Abierta

2011-04-02T12:00:00.000-07:00

Viernes 8 de abril

Título original: "Roma, Città Aperta" (1945)

Dirección: Roberto Rossellini
Intérpretes: Ana Magnani, Aldo Fabrizi, Marcello Pagliero, Maria Michi, Henry Feist, Vito Annichiarico, Francesco Grandjacquet, Giovanna Galletti, Carla Rovere
Guión: Federico Fellini, Sergio Amidei, Roberto Rossellini
Fotografía: Ubaldo Arata
Música: Renzo Rossellini
Producción: Ubaldo Arata
País: Italia
Duración: 100 min.

Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta), una de las grandes obras de Roberto Rossellini, es considerada, con justicia, la película manifiesto del neorrealismo italiano. Está ambientada en la Roma de los últimos años de la ocupación nazi del año 1944 y se inspira en la historia verídica del sacerdote Luigi Morosini, torturado y asesinado por los nazis por ayudar a la resistencia. La película narra los acontecimientos vividos por el pueblo romano ante la invasión nazi y las historias de cada uno de los personajes resultan desgarradoras, a la vez que un ejemplo de resistencia.

El guión de Federico Fellini, Sergio Amidei, Alberto Consiglio y Roberto Rossellini fue nominado justamente a los Oscar. Entre el reparto, pleno de actores no profesionales, destacan una magnífica Anna Magnani o el "cura" Aldo Fabrizi, entre otros. Rosellini comenzó a trabajar en el guión en agosto de 1944, a sólo dos meses de terminar la ocupación alemana, con la colaboración de Federico Fellini y de Sergio Amidei. Según sus propias palabras, estaba movido por una fuerte necesidad de narrar los acontecimientos recientes, y literalmente salió a la calle a buscar historias (el argumento está basado en parte en sucesos reales). Comenzó a rodarse en enero de 1945, tanto en estudios como en locaciones de la ciudad devastada, siendo esto último algo que se caracterizaría en el neorrealismo.

En su lanzamiento, la película fue víctima de la censura. En Estados Unidos se la recortó, reduciendo su duración en un cuarto de hora. En Argentina fue inexplicablemente quitada de exhibición por una orden anónima del gobierno en 1947. En la Alemania Occidental fue prohibida desde 1951 hasta 1960.

El personaje de Pina -en la increíble creación de la Magnani- es uno de esos díficiles de olvidar; la actitud ante la vida de esta mujer, su lucha, su casa, sus ambiciones y su solidaridad es lo que ha pervivido como ejemplo y modelo en el cine, con una profundidad y humanidad que desde entonces ha inspirado a muchos otros personajes (a sus creadores, en realidad) y, desde luego, a nosotros como espectadores.

Clásico de clásicos de la historia del cine, recibió la Palma de Oro en el Festival de Cannes, y a pesar de lo duro de la historia que cuenta es una verdadero canto a la vida y a la libertad.

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Arroz Amargo

2011-04-02T11:00:00.000-07:00

Viernes 15 de abril

Título original: "Riso Amaro" (1949)

Dirección: Giuseppe De Santis
Intérpretes: Silvana Mangano, Vittorio Gassman, Doris Dowling, Raf Vallone y otros.
Guión: Corrado Alvaro, Giuseppe De Santis, Carlo Lizzani, Carlo Musso, Ivo Perilli, Gianni Puccini.
Fotografía: Otello Martelli
Música: Goffredo Petrassi
Producción: Dino de Laurentis
País: Italia
Duración: 108 min.

Drama clave del neorrealismo italiano que, aparte de su indudable interés artístico, resultó extraordinariamente popular por la impresionante carga de erotismo -para la época- que desprende su protagonista, la exhuberante Silvana Mangano. Pocas veces se insinuó tanto enseñando tan poco.
(FILMAFFINITY)

Estamos ante uno de los títulos más famosos del neorrealismo italiano. El filme fue dirigida por Giussepe de Santis, contemporáneo de realizadores como Rosellini y Visconti, con los que colaboró en el inicio de su carrera. Este film - de1949- es la obra más célebre de su filmografía, y cuenta el trabajo de las jornaleras de arroz del valle del Po, mezclado con una trama policial.

"Una tarde de 1947, mientras esperaba un tren en la estación de Milán, reparé en un grupo de muchachas que se iban a trabajar en los arrozales de las llanuras del río Po. Hablé largamente con ellas, de sus desdichas, de sus sueños, de sus esperanzas... Al punto de perder el tren. Pero había nacido el guión del filme", contaba De Santis.

En 1950 Riso Amaro fue nominada al oscar al mejor guión original de Giussepe de Santis y Carlo Lizzani. Sus imágenes tienen, como es habitual en el neorrealismo, una veta documental al mostrar los escenarios reales y el retrato social de la Italia de la posguerra. Pero los personajes de Arroz Amargo se parecen en cierto modo a ciertos arquetipos del cine negro, si bien vistos a través del filtro de una cultura y estilos diferentes. Walter es el típico rufián que siempre está buscando su próximo golpe. Francesca es su típica compañera, fiel a él simplemente porque no tiene otro lugar adonde ir. Marco es el veterano cansado de todo -el personaje menos importante aquí. El más importante es el de Silvana, la femme fatale de la historia.

Parte del éxito internacional se debe a la sensualidad de la joven y por entonces casi desconocida Silvana Mangano, que en su momento produjo gran revuelo. Es famosa la escena donde baila el “boogie-woogie” llamando la atención de todos los que la rodean.

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Umberto D.

2011-04-02T10:00:00.000-07:00

Viernes 22 de abril

Título original: "Umberto D." (1952)

Dirección: Vittorio de Sica
Intérpretes: Carlo Battisti, Maria-Pia Casilio, Lina Gennari, Ileana Simova, Elena Rea, Memmo Carotenuto, Alberto Albani Barbieri .
Guión: Cesare Zavattini .
Fotografía: Aldo Graziati
Música: Alessandro Cicognini
Producción: Giuseppe Amato
País: Italia
Duración: 91 min.

La película es una de las varias y muy fructíferas colaboraciones entre Vittorio de Sica y el guionista Cesare Zavattini. De Sica plantea la deshumanización de la sociedad, la impotencia de un hombre mayor ante una sociedad en la que ya estorba, y la desesperación en la que va cayendo, y que hace que la tristeza que produce nos vaya invadiendo hasta sumergirnos en la desazón del protagonista.

De Sica refleja la cotidianeidad de su personaje de una forma tan realista y directa, que nos estremece y nos duele. Umberto es tan entrañable y cercano, tan digno en su desgracia, que nos es muy fácil compartir su triste vida, y se nos forma un nudo en la garganta, difícil de digerir, cuando sabemos que en realidad no tiene ninguna salida.

El actor que interpeta a Umberto, Carlo Battisti, no era un actor profesional. Era un Profesor de Filosofía de setenta años en el momento de la filmación, que conoció a De Sica en una conferencia a la que los dos asistieron en Roma. No volvió a actuar nunca más en el cine, pero supo transmitir a su personaje una total actitud de desamparo, que es el alma de la película.

A pesar de ser una de las piezas más amargas del neorrealismo italiano, Umberto D, es también una obra cargada de poesía, humana y emotiva, fundamental para todos los amantes del cine con mayúsculas, fruto de un creador notable: el gran Vittorio De Sica.

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Ladrones de Bicicletas

2011-04-02T09:00:00.000-07:00

Viernes 29 de abril

Título original: "Ladri di Biciclette" (1948)

Dirección: Vittorio de Sica
Intérpretes: Lamberto Maggiorani, Enzo Staiola and Lianella Carell.
Guión: Cesare Zavattini, Vittorio De Sica, Suso Cecchi d'Amico, Oreste Biancoli, Adolfo Franci, Gerardo Guerrieri (Novela: Luigi Bartolini)
Fotografía: Carlo Montuori
Música: Alessandro Cicognini
Producción: Giuseppe Amato y Vittorio De Sica
País: Italia
Duración: 93 min.

Un hito del cine mundial y uno de los máximos exponentes del denominado neorrealismo italiano, la sencilla historia que se relata en "Ladrón de Bicicletas" deviene extraordinaria por su inmensa y conmovedora capacidad poética.

La dirección de Vittorio de Sica y el guión de Cesare Zavattini hacen que el espectador se vea absorbido por la desesperada búsqueda de una bicicleta, medio fundamental de trabajo y en consecuencia de vida de un hombre y su familia, interpretado magistralmente por Lamberto Maggiorani, actor no profesional como es característico en este tipo de proyectos, con la lastimera compañía de su pequeño hijo, entablándose entre ellos una estrecha relación llena de ternura, humor amargo y angustia vital de dolorosas consecuencias.

El llanto de un niño consecuente es el terrible llanto de la pobreza y de la miseria, de la desigualdad y de la penuria, que hace transformar ante sus ojos la figura de su padre, de héroe a villano.

Entre tanto dramatismo el genio de De Sica se permite pincelazos de humor como en una de las escenas donde interviene una claravidente y un señor que sufre de amor no correspondido, 100% humor a la italiana.

Maravillosamente fotografiada en un crudo blanco y negro, casi en tono documental, "Ladrón de Bicicletas" exhibe un acerado fresco de la posguerra italiana, lleno de personajes que, perdidos en su anonimato, impregnan sus carencias por las pobladas y vívidas calles romanas.
Una obra maestra del séptimo arte y una joya testimonial.

Premios (1949):
Nominada al Oscar para Mejor guión; Premio Honorífico a la Mejor película extranjera;
Globo de Oro a la Mejor película extranjera;
BAFTA: Mejor película;
6 premios del Sindicato Nacional de periodistas italianos, incluyendo mejor película y director;
2 premios National Board of Review: Mejor película y director;
Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película extranjera.

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CD 'El Otro Cine' 2010

2010-12-02T01:00:00.000-08:00

Al igual que todos los años, hemos preparado un CD para todos los amigos que apoyan nuestros ciclos de cine y nuestros blogs, con la música de algunas de las películas que hemos proyectado durante el año en nuestros dos ciclos, "El Otro Cine" y "Función Especial".

1. Marcia di Brancaleone · Carlo Rustichelli · "L'armata Brancaleone" · 3:00
2. Flight Of The Wild Geese · Joan Armatrading · "The Wild Geese" (Los Gansos Salvajes) · 2:03
3. I Vitelloni · Nino Rota · "I Vitelloni" (Los Inútiles) · 1:52
4. The Summer Knows (L'Été 42) · Michel Legrand · "Summer of 42" (Verano Del 42) · 4:19
5. Valzer Brillante · Giuseppe Verdi/Nino Rota · "Il Gattopardo" · 4:13
6. The Good,The Bad and The Ugly · Ennio Morricone · "The Good,The Bad and The Ugly" (El Bueno, El Malo y el Feo) · 2:44
7. Flic Story - Générique Instrumental · Claude Bolling · "Flic Story" (Historia De Un Policía) · 2:22
8. I'll Slip Out Of Something Comfortable - Reese Gets His · Johnny Mandel · "Point Blank" (A Quemarropa) · 5:10
9. 'Round Midnight · Sun Ra · "Sun Ra: A Joyful Noise" · 3:06
10. Goin' Out of My Head · Frank Sinatra · "La Moglie Del Prete" (La Mujer del Cura) · 2:47
11. Gassman Blues · Piero Umiliani · "I Soliti Ignoti" (Los Desconocidos De Siempre) · 5:33
12. Queimada · Ennio Morricone · "Queimada" · 5:10
13. La Plaza · Claude Bolling · "Le Magnifique" (El Magnífico) · 2:27
14. Finale - The Damned · Maurice Jarre · "La Caduta Degli Dei" (La Caída De Los Dioses) · 1:57
15. Rocco E I Suoi Fratelli · Nino Rota · "Rocco E I Suoi Fratelli" (Rocco y Sus Hermanos) · 4:34
16. Quelli Che... · Enzo Jannacci · "Pasqualino Settebellezze" (Pascualino Siete Bellezas) · 4:33
17. Touchez Pas Au Grisbi · Jean Wetzel · "Touchez pas Au Grisbi" (No Tocar La Plata) · 3:31
18. Final From Le Chat · Philippe Sarde · "Le Chat" (El Gato) · 2:05
19. Ti Amo · Umberto Tozzi · "I Nuovi Mostri" (Los Nuevos Monstruos) · 4:10
20. Lara's Theme · Maurice Jarre · "Dr. Zhivago" · 5:59
21. YMCA · Village People · "You Can't Stop The Music" (No Se Puede Parar La Música) · 4:48

Para descargar el regalo cliquea aquí:
http://www.sendspace.com/file/a6k63h

Cuando lo hagas, se va a abrir una página de Sendspace.
Desde esa página tienes que descargar el archivo llamado CD Ciclo 'El Otro Cine' Temp 2010.rar

El archivo viene comprimido con WinRAR.

Al igual que el año pasado, la carpeta comprimida trae la portada del CD con los nombres para que puedas imprimirla.

¡¡Felices vacaciones a todos!!
¡Nos veremos nuevamente en Marzo!

Una Vida Difícil

2010-12-01T02:00:00.000-08:00

Domingo 12 de diciembre

Título original: "Una Vita Difficile" (1961)

Dirigida por Dino Risi; con Alberto Sordi, Lea Massari, Franco Fabrizi y otros. (118 min.)

"Vida difícil (Una vita difficile)" es la ambiciosa historia de dos décadas cruciales en la vida italiana, relatada a través de un hombre y sus experiencias tragicómicas en los años comprendidos entre 1944 y 1961. Silvio Magnozzi es un antiguo oficial de complemento, que antes de la guerra había estudiado arquitectura y durante los años de la Resistencia termina por luchar como partisano, con la tarea de hacer propaganda. Al terminar la guerra, Silvio empieza a trabajar como periodista y, mientras es poco más que escritor de mala muerte en un periódico de izquierdas, sueña con una carrera militante en las grandes editoriales. Aparentemente inquebrantable en sus convicciones, su ideario es puesto a prueba cuando tiene que enfrentarse a la vida cotidiana después de la guerra, porque una vez llegada la paz él sigue actuando socialmente en consecuencia con sus principios ideológicos, y ello le conducirá a situarse en una posición en cierto modo desfasada. Así su vida transcurre entre las tentaciones -poco honestas- de prosperar, y sus arranques heroicos, que terminan por estropearlo todo.

Con justicia se reconoce a Dino Risi (director también de "Perfume de Mujer", "Il Sorpasso" y "Los Monstruos" entre otros grandes filmes) como uno de los mejores analistas de la Italia de la posguerra, un país arrasado moralmente por la demencial dictadura fascista. Risi llegó con “Una vita difficile” a uno de los puntos más altos de su carrera, en este retrato de perdedores llevado hasta las últimas consecuencias y sin más misericordia que la propia de quien fue analista de lo cotidiano.

Alberto Sordi, en uno de los mejores papeles de su carrera, encarna a un personaje que recoge la tragedia de quienes tras la Guerra se muestran incapaces de rehacer su vida, de alejar primero y olvidar después las heridas de un conflicto bélico que no se limitó a contaminar a toda una sociedad, sino que penetró hasta el último rincón del alma de los ciudadanos.
Lo acompaña una espléndida Lea Massari, también en uno de los mejores papeles de su carrera, interpretando a Elena, la mujer que lo ama y comparte su vida pero a la vez se cansa del precio que tiene que pagar por su intransigencia.

Triste, con sólo sutiles esperanzas, Dino Risi reivindica la vida y el amor pero no perdona ni olvida. Precisamente son las marcas que deja la guerra el tema central de esta película que relata el recorrido vital de un idealista que opta por las penurias frente a la claudicación.

Momentos como la escena de Sordi completamente borracho escupiendo a los coches y gritando al autobús de turistas alemanes: «¿Qué vienen a ver aqui? ¡No hay nada que ver, es todo un asco, no visiten Italia, quédense en su casa que es mejor!», la cena en la casa de la Principessa -a la cual son invitados sólo para que no sean 13 los comensales-, o la inolvidable escena del final, son dignos de figurar en la mejor antología de la alta comedia cinematográfica.

Ver escenas:

Il Mattatore

2010-10-01T05:00:00.000-07:00

Viernes 8 de octubre

Título original: "Il Mattatore" (1960) (También conocida como "El Estafador")

Dirigida por Dino Risi; con Vittorio Gassman, Anna Maria Ferrero, Peppino De Filippo, Mario Carotenuto, Dorian Gray, Luigi Pavese, Alberto Bonucci. (95 min.)

Una auténtica delicia filmada por Dino Risi y que se encuentra totalmente olvidada, aunque probablemente sea una obra de mayores cualidades que otros títulos del realizador.

Las virtudes de Il Mattatore se centran en primer lugar en la presencia de un personaje central absolutamente arrollador –Gerardo-, del que un pletórico Vittorio Gassman ofrece una interpretación basada en las imitaciones, disfraces y escarceos cómicos. Gerardo es un antiguo timador que está casado y trabaja honradamente, por lo que añora la vida que llevaba hasta entonces. En esa tesitura, el matrimonio recibe la extraña visita de un joven que desea venderles a bajo precio un candelabro de plata. En realidad se trata también de un estafador, por el que nuestro protagonista, después de descubrirlo, muestra cierta condescendencia, relatándole su historia y trayectoria en la "profesión", generalmente basada en la utilización de disfraces –lo que permite a Gassman dar rienda suelta a su magnífico potencial histriónico. A partir de ese planteamiento inicial, el film de Risi –especialmente apoyado por un guión y, sobre todo, unos diálogos magníficos-, describe con tanta ironía como precisión un entorno de timadores amparados en una Italia que se adentra en la industrialización y en barrios de nueva construcción, pero conservando esa personalidad tan genuina, que en el fondo es la que permite que personajes como nuestro protagonista resulten simpáticos y llenos de carisma.

Una vez más, el encanto de Il Mattatore proviene de la conjugación de un buen número de talentos, que fueron una inolvidable fuente de inspiración e hicieron de la comedia italiana un referente aún totalmente vigente. Pero tampoco se puede negar que Dino Risi supo orquestar esos elementos y servirlos con gran eficacia basándose, como antes señalaba, en unas situaciones magníficas –la acumulación de timos que se ejecuta es en algunos momentos delirante, no sabiendo finalmente quien engaña a quien- y unos diálogos francamente sensacionales, en los que se destaca una tipificación en el habla popular del entorno, al tiempo que sirven para reforzar la capacidad humorística y satírica del relato.

Y en toda comedia italiana que se precie, ha de resultar fundamental la labor de sus actores. En esta ocasión no sólo funciona la premisa en la figura de Gassman o el impagable Pepino de Filippo, sino que el film de Risi cuida de forma muy acusada la galería de personajes secundarios, formando un conjunto magnífico que permite la presencia de personajes espléndidamente descritos e interpretados, pese a una ocasional escasa presencia en pantalla. Y es que uno llega a sentir pena ante el semblante abatido del joyero ante Gerardo, que le acaba de robar delante de su rostro un anillo de diamantes, la hilarante presencia en lugar secundario de la abuela de Pepino de Filippo –ciega y sorda, y con un permanente tembleque en las manos-, o ese industrial hipócrita que busca con sobornos que le concreten una contrata en su “pasta al huevo”. Con esta galería, se alcanzan secuencias tan magníficas como la estafa que sufre dicho empresario en plenas oficinas militares, o la impagable simulación de Gassman travestido como una envejecida Greta Garbo que viaja a Italia en su retiro.
Il Mattatore merece figurar por derecho propio entre las mejores páginas del género en Italia.

Ver la escena del joyero:

Rocco y sus Hermanos

2010-10-01T04:00:00.000-07:00

Viernes 15 de octubre

Título original: "Rocco E I Suoi Fratelli" (1960)

Dirigida por Luchino Visconti; con Alain Delon, Renato Salvatori, Annie Girardot, Claudia Cardinale y otros. Música: Nino Rota. (177 min)

Intenso y apasionado melodrama con ribetes de tragedia griega. Obra maestra de infinita belleza, "Rocco y sus hermanos" es un film fundamental dentro de la filmografía de su autor que emerge como la esencia melodramática del mejor Visconti y como el punto de inflexión y cambio donde se unen pasado y futuro del cineasta milanés.

Rosaria (Katina Paxinou) y sus cuatro hijos, Simone, Rocco, Ciro y Luca, abandonan su Lucania natal y emigran a Milán donde vive Vincenzo -el hijo mayor-, en busca de una vida mejor. Poco a poco la gran ciudad ira socavando el núcleo familiar hasta destruirlo.

Film con un trasfondo de fuerte carga social, bajo la sensible y operística dirección de Visconti se eleva desde planteamientos asentados en el neorrealismo hacia un melodrama realista, no por eso exento de poesía y de un intenso lirismo. Ambientada en los suburbios de la gran ciudad, los bajos fondos y el sórdido mundo del boxeo, en “Rocco y sus hermanos” encontramos algunos de los temas más queridos por Visconti: la figura de la madre, la degradación física y moral y la redención de la culpa, donde conceptos como amor, odio, pasión, violencia y muerte cobran de repente todo su sentido y se transforman en el hilo conductor del itinerario vital de unos personajes en busca de la redención.

Imposible olvidar a Rocco -un espléndido Alain Delon -el único Rocco posible según Visconti-, viva imagen de la renuncia, a Simone (Renato Salvatori), un perdedor nato, y a Nadia (Annie Girardot), personaje sin futuro y sólo una salida posible.

El extraordinario guión, la soberbia dirección de actores y la inmortal y nostálgica música de Nino Rota hacen de este inmenso fresco que es “Rocco y sus hermanos” una de las obras maestras de Visconti y del cine con mayúsculas.

Film hermoso y profundamente poético; sólo al final Visconti nos abre un resquicio para la esperanza en la figura de Luca. Plagada de secuencias inolvidables, que son patrimonio de la memoria colectiva, quizás sean la del encuentro de Rocco con Nadia en la terraza del Duomo de Milán -impagable plano de Delon con una lagrima deslizándose por su mejilla-, la última escena de Nadia y Simone y la de Luca acariciando la fotografía de Rocco en las portadas de los periódicos para después perderse en la lejanía las que mejor sintetizan el espíritu del film y la sensibilidad artística de su autor. Imprescindible obra maestra absoluta de visión obligada.

Fuente: Francesc Chico Jaimejuan (Filmaffinity)

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Brancaleone en las Cruzadas

2010-10-01T03:00:00.000-07:00

Domingo 17 de octubre a las 17 hs.

Título original: "Brancaleone Alle Crociate" (1970)

Dirigida por Mario Monicelli; Vittorio Gassman, Adolfo Celi, Stefania Sandrelli, Beba Loncar. (116 min)

La esperada secuela de "La Armada Brancaleone". El caballero medieval Brancaleone Da Norcia organiza una expedición hacia Tierra Santa,liderada por un monje visionario, pero bastante desorientado para encontrar el camino a Jerusalén. En su camino se encontrarán con otro grupo que les acusa de herejía, además de mutilados, leprosos y brujas...

Mario Monicelli estrenó el film cinco años después de "La armada Brancaleone", que había obtenido notable repercusión. "Brancaleone alle crociate" - Brancaleone en las Cruzadas- se vincula con el primer episodio a partir de la llegada del "héroe" (espectacular Vittorio Gassman en una de sus grandes creaciones) a tierra firme, luego de su peregrinar para incorporarse a las Cruzadas.

Se destaca la extraordinaria fotografía de Aldo Tonti, que realza el recorrido de Brancaleone por Tierra Santa. En esta ocasión, éste no lleva a cabo su periplo sólo con la compañía de su ejército -tropa curiosa pero tropa al fin- sino tambien con un agregado femenino bien diferente: la princesa rubia que se vale de sus servicios (Beba Loncar) y una muchacha a quien acusan de bruja (Stefanía Sandrelli).

También vale la pena destacar a tres de los nuevos miembros de su "Ejercito": el cruzado alemán sicópata interpretado por Paolo Villagio, el penitente cristiano masoquista, un muy particular leproso y la aparición del gran Adolfo Celli interpretando a un rey que sólo habla en rima.

Mario Monicelli y sus guionistas habituales, Age y Scarpelli, urden una trama que encadena maravillosos y divertidos gags (que en su época fueron transgresores), en lo que parece un precedente de algunas parodias de Monthy Pyton.

En el Festival de San Sebastián de 1971, "Brancaleone alle Crociate" recibió el premio a la mejor interpretación masculina para Vittorio Gassman.

Vittorio
Por Mario Monicelli

Fue conmigo que Vittorio ingresó al cine como actor de comedia, con "Los
Desconocidos de Siempre". Antes de eso, hasta fines de los años cincuenta, sólo
se conocía su faceta de actor serio, dramático. El hecho es que nosotros dos
éramos amigos, grandes amigos.

Como yo frecuentaba mucho a Vittorio, y en ámbitos que excedían los escenarios, sabía que su profunda capacidad de observación le permitían el humorismo y la parodia. En el teatro Vittorio adoptaba un tono autoritario que no utilizaba en la vida real, en la que se destacaba por ser un hombre de un ingenio irresistible y un director tenaz y explosivo.

Teníamos mucha confianza. Recuerdo largos paseos que abundaban en discusiones y contrastes, pero que se caracterizaban siempre por su tono humorístico. Si había algo que invariablemente lo irritaba, eran mis opiniones sobre la tragedia griega. El la idolatraba, le parecía algo sagrado, intocable. Yo le contestaba que, a mi modo de ver, tenía una retórica pomposa y que, en el fondo, todas las tragedias clásicas no eran más que libros policiales. No lo soportaba.

Cuando le propuse interpretar un personaje cómico, el de Los desconocidos de siempre, con guión de Age y Scarpelli, a quienes apreciaba mucho, Vittorio aceptó con sorpresa y entusiasmo. Finalmente se permitía ser él mismo. El rodaje fue muy placentero y gracioso. También fue ahí donde se conocieron Gassman y Totó, que encarnaba al gran maestro de robo de cajas fuertes. Junto con los hermanos Marx, Totó era el cómico a quien más admiraba Vittorio. Según me contó, lo dejaba pasmado. Lo encontraba sorprendente, su genio cómico superaba en mucho todo lo que él pudiera haber imaginado.

Luego Vittorio rodó conmigo "La Gran Guerra" y, a fines de los años sesenta y principios de los setenta, se convirtió en Brancaleone.
Fueron dos películas, "La Armada Brancaleone" y "Brancaleone en las Cruzadas". Una vez más el personaje está pensado para él. Age y Scarpelli pensaban en una saga
medieval que fuera realista, en oposición al mundo de los caballeros andantes y
las doncellas remilgadas que suelen pintarnos en la escuela. El nuestro sería un medioevo bárbaro, salvaje, repleto de miseria y suciedad, habitado por caudillos corruptos y groseros.

Vittorio le dio pleno sentido a todo: en el papel de Brancaleone se autoparodió de manera genial; se burló de su propia exaltación y retórica de actor serio reconocido y consumado. Construimos un lenguaje absurdo, "medievalizante" y cómico, que caracterizó a Brancaleone.

Vittorio se posesionó totalmente del personaje, logró comprenderlo, interpretarlo con soltura, hacerlo creíble. Nuevamente el clima de trabajo se destacó por su tono divertido y liviano, como pasa cuando se trabaja con grandes actores, con aquellos cuya solvencia no tiene límites.

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La Gran Guerra

2010-10-01T02:00:00.000-07:00

Domingo 17 de octubre a las 19:30 hs.

Título original: "La Grande Guerra" (1959)

Dirigida por Mario Monicelli; con Alberto Sordi, Vittorio Gassman, Silvana Mangano. (137 min.)

“La Gran Guerra” de Monicelli nació de una sinopsis de Luciano Vincenzoni titulada “Dos héroes”, que más tarde Age y Scarpelli, junto con Monicelli, convirtieron en guión cinematográfico. Vicenzone se había basado en el cuento “Les Amis” (1883) de Guy de Maupassant, donde la acción está ambientada en el conflicto franco-prusiano. A diferencia del relato, la película de Monicelli amplia el universo de personajes a toda una tropa compuesta de campesinos, delincuentes, obreros y parias de la vida. Al frente de todos ellos encontramos a Vittorio Gassman y Alberto Sordi como auténticos protagonistas de un film coral, un verdadero fresco de la vida de la trinchera. Estos dos personajes serán el hilo conductor de ese retrato de la vida cotidiana de los soldados italianos en el frente. Dos pillos cobardes que entre lo satírico/trágico intentan escapar continuamente del peligro.

"La gran guerra" de Monicelli sorprende no tanto por su planteamiento inicial como por su desarrollo, que muestra un crescendo dramático considerable. Existe en el guión una magnífica alternancia entre la comedia y el drama. De manera inteligente, los guionistas cortan los momentos cómicos, a veces de forma seca, con el anuncio de la tragedia; y las situaciones dramáticas se aligeran con la ironía y toque cómicos. La mayor parte de las veces la risa surge del más absoluto drama. No es un humor burdo y una risa fácil, sino un humor inteligente y de doble sentido. No hay frase que sea fruto de la casualidad: son frases muy estudiadas y llenas de significados. Quizás fueron esos diálogos y situaciones, los que no gustaban a la censura, que como en todas partes intentan cortar lo más significativo de la historia.

En una primera parte, cuando los dos protagonistas se conocen, y más adelante -cuando se nos muestra la vida de cuartel, los "hermanos de armas" y las primeras impresiones del frente -el espectador piensa que va a asistir a una entretenida sátira bélica a la italiana, llena de peripecias y ocurrencias desmitificadoras y burlescas. La aparición de Silvana Mangano, en una de las mejores escenas del filme, refuerza esta impresión, que sin embargo, no ha de permanecer mucho tiempo. No hay una transición brusca al drama, lo que ocurre es más bien que éste va haciendo su aparición con cuentagotas; el hambre de los soldados, la incomprensión que sienten acerca de los motivos de la guerra, el recuerdo de los seres queridos a los que se manda dinero o se escribe con "manos prestadas"... todo ello va creando una sensación de desasosiego sin que el humor desaparezca. Seguidamente se nos muestra la lucha, la muerte, la fatalidad tragicómica que culmina la historia; así, el último plano y el último diálogo condensan el alma de la película a la perfección. Una película profundamente antibélica sin caer en discursos panfletarios sino recurriendo al absurdo -recurso muy coherente cuando de guerra se habla- y a la sutil valoración de los detalles reveladores del horror y las miserias de la guerra.

La película destaca también por sus apartados técnicos, mostrando la pericia del director en la narración visual de la historia, ya sea en lo concerniente a las peripecias de los protagonistas, o en el trasfondo bélico general. En este último sentido, destacan algunas secuencias de batallas, magníficamente realizadas, y que hasta la fecha no tenían equivalente en el cine italiano. Hay que señalar también algún momento brillante en el que las imágenes transmiten máxima emoción sin necesidad de palabras, como el desfile de los soldados por el pueblo que les aclama. Los actores brillan, como no podía ser de otra forma dada su calidad, en especial un Alberto Sordi que da rienda suelta a su talento cómico. Muy destacables también todos los secundarios, de gran importancia en una película que tiene batantes momentos corales.

Precisamente uno de los hechos históricos menos tratados en la literatura y en el cine italianos fue todo lo ocurrido en La I Guerra Mundial; mientras en el resto de Europa y en Estados Unidos surgían documentales o libros de memorias sobre el conflicto bélico, en Italia reinaba el silencio. El motivo era muy simple: existía el convencimiento de que los seiscientos mil muertos de la Gran Guerra se podrían y habrían debido evitar; y cuando se supo que el excelente director Mario Monicelli preparaba el film “La Gran Guerra”, se inició una campaña total contra la película. Monicelli para conseguir su objetivo, no solo tuvo que luchar contra los medios y contra la censura, sino que además tuvo que defender el final de la misma, frente a las imposiciones del propio productor Dino de Laurentiis.

Ganadora del León de Oro en el Festival de Venecia y nominada al Oscar a la Mejor Película en Idioma Extranjero.

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Historia De Un Policía

2010-09-01T04:00:00.000-07:00

Viernes 3 de septiembre

Título original: "Flic Story" (1975)

Dirigida por Jacques Deray; con Alain Delon, Jean-Louis Trintignant y otros -Renato Salvatori, Claudine Auger, Maurice Biraud, André Pousse, Mario David, Paul Crauchet. Música: Claude Bolling. (107 min.)

Por un lado, está Roger Borniche (Alain Delon), un policía distinto a los demás, al cual los gangsters escriben incluso para agradecer su humanidad y que nunca lleva armas. Por otro lado está Emile Buisson, un criminal que no duda en matar a sus propios cómplices. Entre los dos, un fantástico duelo.

Este policial negro está basado en una historia real, la del primer Enemigo Público Nº 1 que tuvo la Francia de posguerra, el ladrón y asesino Emile Buisson (interpretado por un magnífico Jean Louis Trintignant), quien fuera capturado, después de años de busqueda, por el policia Roger Borniche (Alain Delon), quien luego escribiría la historia de manera autobiográfica.

Cinematográficamente se trata de un robusto policial repleto de acción y estilo, buena muestra de la manera de hacer francesa, siempre un tanto gélida y distanciada, lacónica y carismática. El artesano Deray (responsable de films como "La Piscina", "Borsalino" o "El derecho a Matar") narra en formá clásica y pone su firmeza al servicio de los divos protagonistas, que aquí se intercambian sus papeles/arquetipos, siendo Delon el recto policia insobornable y el "prestigioso" Trintignant (en una interpretación memorable relizada con un estilo impenetrable y gustosamente sádico) el duro gangster. Basicamente "caza del hombre" y enfrentamiento en la cumbre entre dos profesionales dispuestos a cumplir su cometido (parangonados con inteligencia durante todo el desarrollo), muy bien ambientado, acertadamente trepidante y competentemente narrado.

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La Evasión

2010-09-01T03:00:00.000-07:00

Viernes 10 de septiembre

Título original: "Le Trou" (1960)

Dirigida por Jacques Becker; con Marc Michel, Jean Keraudy, Philippe Leroy, Raymond Meunier, Michel Constantin, André Bervil, Jean-Paul Coquelin, Eddy Rasimi. Basada en un libro de José Giovanni.

Una breve indicación del actor Jean Keraudy -que interpreta a Roland en la película, un personaje que vivió la historia en carne propia- nos indica con extraña cercanía que los hechos que vamos a contemplar son reales y sucedieron en la cárcel francesa de la Santé en 1949. Ese aviso –rodado con una extrañeza basada en la sinceridad- predispone a la implicación del espectador en los hechos que nos va a contar Jacques Becker en el que sería su último film –a raíz de su inesperado fallecimiento tuvo que culminar algunos detalles de postproducción su hijo, el posterior realizador Jean Becker.

Sin duda "Le Trou" -"La Evasión"- constituye un inesperado testamento y la obra maestra del que fuera uno de los más grandes realizadores de la cinematografía gala. Dentro del conjunto de una filmografía caracterizada por su alto nivel y, muy especialmente, su destreza técnica y hondura temática y ética dentro de una trayectoria que se implicó con diversos géneros populares, "Le Trou" supone un auténtico canto a la amistad y la lealtad, para lo que se contó con la base de una novela testimonial de Jose Giovanni cuya historia le era igualmente muy próxima, puesto que participó en una huída finalmente frustrada y su persona está representada en Manu, el personaje que encarna Philippe Leroy. También participó de esta huida Jean Kéraudy, que en la película se representa a sí mismo (el de los dedos cortados).

Tras este aviso, la película se centra en la llegada de Gaspard (Marc Michel) a una celda en la que conviven cuatro reclusos –los ya mencionados Manu y Roland, Géo (Michel Constantin) y Monseigneur (Raimond Meunier). De forma rápida el espectador advertirá que Gaspard tiene unos rasgos bien diferentes al de sus cuatro nuevos compañeros. Se caracteriza por sus modales más aparentemente sensibles, aspecto más cuidado y una mirada temerosa. Sus compañeros son aparentemente más brutos pero muy pronto se revelan de gran nobleza. Tras unos instantes de duda ellos deciden contarle al nuevo compañero el plan que han decidido acometer para huir de la prisión, no sin antes preguntarle por las causas por las que se encuentra encerrado –ha sido acusado por su esposa de haber intentado un homicidio frustrado; en realidad todo se dirime en la infidelidad que le ha provocado con su hermana menor y el substrato de ser un mantenido de su cónyuge.

Cuando el espectador se encuentra un tanto sorprendido por las escasas posibilidades que observa de huir de una cárcel contundentemente vigilada, la película despliega un giro sorprendente y logra –como muy pocas veces en la historia del cine- que el espectador en todo momento sea un personaje más en el proceso que está a punto de lograr la huída –en este caso sería más propio señalar un “reencuentro con la libertad” de estos cinco reclusos.

En esa extensa pero apasionante secuencia en la que Becker logra atrapar al espectador de la forma más noble posible, hay que destacar –algo extensible a toda la película- la impresionante labor de iluminación de Ghislain Cloquet en la que tanto las sombras, las oscuridades y los escasos puntos de luz tienen su máximo exponente en esos largos planos en los que la oscuridad prácticamente engulle a los dos presos exploradores en sus desplazamientos por los húmedos y fríos túneles del castillo.

De forma directa, sin coartadas discursivas y siempre atendiendo a la lógica de la acción, con una extraordinaria capacidad de síntesis, una sobriedad deudora del mejor cine francés y una extraordinaria dirección de actores que atiende a miradas pero también al enorme esfuerzo físico que desarrollan todos ellos , "Le Trou" se distancia de posteriores títulos como el más limitado "La Gran Evasión" (The Great Escape, 1963, John Sturges) y siempre mantiene a ese espectador como un personaje más, que en algunos momentos quisiera implicarse en ese esfuerzo solidario realizado por este grupo de presos.

"Le Trou" es un film de una riqueza inagotable, una obra que por sí sola marca un punto y aparte en la cinematografía francesa. Un lugar de llegada que quizá no tuvo una continuidad por que era difícil llegar a repetir unas cotas como las alcanzadas, en las que la hondura psicológica de todos sus personajes fuera en consonancia a su sobriedad expositiva, y en diametral oposición a los auténticos tours de force cinematográficos que constantemente nos dosifica Becker con la sabiduría de un maestro –uno de ellos es la enorme complejidad con la que se filman los planos a través del diminuto espejo adosado al cepillo de dientes.

En su momento Jean-Pierre Melville comentó que la obra póstuma de Jacques Becker era "el más bello film francés". Tal vez haya sido una afirmación hecha de forma impetuosa y desde el sincero entusiasmo. Sin embargo la compartimos plenamente. Pocos realizadores en el cine tuvieron –en este caso de forma involuntaria- un testamento tan admirable, sentido, directo y al mismo tiempo narrado de forma tan creíble y cercano. Una absoluta obra maestra.

Alejada de todos los clichés, seguramente sea la mejor película jamás filmada dentro del prolífico género de los dramas carcelarios. Maravilloso testamento fílmico de Becker, cuyo desgarrador final queda grabado para siempre en la memoria.
Pauvre Gaspard!

(Fuente: Claqueta.es)

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Una Mariposa Sobre La Espalda

2010-09-01T02:00:00.000-07:00

Viernes 17 de septiembre

Título original: "Un Papillon Sur L'épaule"

Dirigida por Jacques Deray; con Lino Ventura, Claudine Auger, Jean Bouise, Nicole Garcia, Paul Crauchet, Xavier Depraz, Roland Bertin. Guión: Jean-Claude Carrière & Tonino Guerra, sobre una novela de John Gearon. (95 min.)

El gran Lino Ventura protagoniza esta olvidada joya del policial más misterioso y laberíntico de la historia del cine francés. Roland, un marino que ha hecho escala en Barcelona para reunirse con su mujer, descubre un cadáver en la habitación contigua a la suya del hotel donde se hospeda. Luego de entrar a dicha habitación, recibe un violento golpe que lo deja inconsciente. Al despertar, ve que ha sido trasladado a una clínica psiquiátrica privada, en la cual el doctor a cargo le reclama un misterioso maletín, y el único paciente le habla de una mariposa posada sobre su espalda, la cual tiene la capacidad de hablar.
Una vez fuera, angustiado por las dudas acerca de aquel fatídico acontecimiento, Roland comienza a investigar qué fue lo que ocurrió aquel día en el hotel, sin imaginar que se verá inmerso en algo que difícilmente alcanzará a comprender.

Jacques Deray -considerado por muchos como el “Hitchcock francés”- era un verdadero especialista en thrillers y en historias policiales, los cuales por lo general tenían como protagonistas a héroes bastante complejos que presentaban una relación bastante ambigua con la ley. En el caso del film que hoy nos ocupa, nos encontramos con Roland, una persona común y corriente que se ve inmerso en una intriga policial que va a colocar su mundo totalmente de cabeza. Ya desde el momento en que Roland despierta acostado en la cama de aquella clínica, pareciera que su mundo se ha transformado en una verdadera pesadilla de la cual no logra despertar. Según el doctor que lo atiende, todo el episodio ocurrido con aquel cadáver en la habitación de hotel no es más que obra de su vívida y frondosa imaginación; una consecuencia del severo golpe que ha recibido en la cabeza. Identificar qué es real dentro del mundo en el cual ahora se encuentra inmerso, será la mayor dificultad del protagonista a la largo del film.
La película está basada en la novela "The Velvet Veil", del escritor John Gearon. Sin embargo, esta relación confusa entre sueño y realidad nos recuerda hasta cierto punto a la obra de Franz Kafka, ya que en más de algún momento se puede comparar la situación de Roland con la del protagonista de la novela "El proceso". Como lo diera a entender el escritor con sus obras, nuestro protagonista llega a comprender que sus sueños son la llave que lo ayudaran a revelar la realidad de lo acontecido. Esto podemos apreciarlo en algunas de las escenas oníricas posteriores al golpe en la cabeza, en la cuales Roland sueña con un pasillo oscuro que presenta una serie de puertas cerradas, las cuales él trata de abrir con desesperación. Esto no es más que una especie de metáfora, en la cual el pasillo oscuro representa la mente del protagonista, más específicamente su memoria, y las puertas no son más que los recuerdos del protagonista, los cuales debido al traumatismo se encuentran ocultos en lo profundo de su subconsciente.

En la novela de Kafka, el protagonista es arrestado una mañana por un crimen que desconoce. Desde aquel momento se verá atrapado en una pesadilla en la cual tendrá que defenderse de un crimen que nunca se llega a conocer, lo que finalmente solo servirá para darse cuenta de que existe un clima de inaccesibilidad a la justicia y a la ley que le impide defenderse de manera justa. En el film, Roland empieza a ser acosado por un grupo de gente que desconoce, los cuales en ningún momento se identifican y cuya única misión conocida es la recuperación de un misterioso maletín que, según ellos, Roland tiene en su poder. Para colmo, aunque el protagonista buscará algún tipo de ayuda de parte de las autoridades, éstos lo toman por loco, por lo que queda totalmente indefenso ante la amenaza "invisible" de la que es victima.

Son varios los interrogantes que se plantean durante el transcurso de la película, y la verdad es que una vez finalizada la historia, son pocas las preguntas que terminan siendo completamente contestadas, por lo que probablemente el espectador no pueda evitar sentir una sensación de desconcierto. Y es que estamos ante una historia donde reina la paranoia y el delirio, donde el peligro está presente en todos los rincones, y donde las personas que parecen ser las más inofensivas no lo son tanto. El protagonista se verá cada vez más atrapado en una tela de intrigas y engaños, donde no sólo se debe preocupar de la búsqueda de la verdad, sino que además deberá resguardar su vida y la de su esposa, enfrascándose en una carrera contra el tiempo, cuyo mayor obstáculo es su propia mente. Es por este motivo que no le quedará más remedio que seguir las instrucciones que le son entregadas, pese a no tener certeza de cuáles son los riegos o las consecuencias de los actos que deberá cometer.

Este film en particular podría ser considerado como una de las apuestas más ambiciosas de la carrera de Jacques Deray, ya que además de las características anteriormente mencionadas, presenta una serie de toques surrealistas que convierten a esta obra en algo especial. El director ha sido bastante hábil al momento de otorgarle al film un halo de misterio y una atmósfera opresiva, al mismo tiempo que invita al espectador a ser parte activa de la historia mediante unos interesantes movimientos de cámara. Quienes contribuyen en gran mediada a construir esta atmósfera de misterio, son los directores de fotografía Jean Bofety y Jean Charvein, quienes realizan un estupendo trabajo al momento de seleccionar las locaciones, las cuales en su gran mayoría dan una sensación de inseguridad, la cual acompaña al protagonista durante todo el transcurso del relato.

En el ámbito de las actuaciones, resulta destacable el cometido de Lino Ventura, quien se lleva todo el peso de la historia. El actor interpreta de manera impecable a este hombre confundido y atormentado, cuya vida comienza a desintegrarse ante sus ojos. Ventura logra que el espectador se identifique de manera inmediata con su personaje, lo que ayuda a que este se involucre más en esta compleja historia. “Un papillon sur l'épaule” es una verdadera joya, la cual permanece oculta en lo más profundo de la arqueología cinematográfica, estamos ante una excelente película, que además de ser una interesante historia de espías con tintes kafkianos, logra embárcanos en un intrigante viaje al subconsciente del ser humano.

Hasta El Último Aliento

2010-09-01T01:00:00.000-07:00

Viernes 24 de septiembre

Título original: Le Deuxième Souffle (1966)

Dirigida por Jean-Pierre Melville y protagonizada por Lino Ventura, Paul Meurisse, Raymond Pellegrin, Christine Fabréga y otros. (150 min)

La película definitiva de Jean-Pierre Melville comienza en movimiento y termina estática, como los demás grandes pilares de la historia del cine negro, luego de una balacera enroscada y sin sobrevivientes.

Y al igual que en aquellas películas acá la cosa en más simple de lo que parece: Un gángster llamado Gustave Manda, más conocido como Gu (interpretado magistralmente por Lino Ventura) escapó de la prisión y anda suelto por Francia. Va a París para unirse con Manouche y sus otros amigos, y se ve envuelto en una matanza entre criminales. Pero antes de dejar el país con Manouche, Gu necesita un trabajo final para conseguir dinero.

La policía (con Paul Meurisse interpretando al inspector Blot) le sigue el rastro, primero recolectando los cuerpos al costado del camino y después cínica y despiadadamente desparramándolos por su cuenta.

La idea del bien y el mal, los códigos, la anarquía, lo oficial y lo ilegal llevado a lo largo de 140 minutos hasta un desenlace tan extremo como vigente cuarenta años más tarde.
Como dijo Primera Plana en el momento de su estreno local: "Nunca se filmó tanta violencia con tanta serenidad de estilo, nunca, tampoco, se contó una tragedia con tanta malicia con una perversidad tan volteriana".

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El Gato

2010-08-03T03:00:00.000-07:00

Viernes 13 de agosto

Título original: "Le Chat" (1971)

Dirigida por Pierre Granier-Deferre; con Jean Gabin, Simone Signoret, Annie Cordy. Basada en una novela de Georges Simenon. (86 min.)

Basada en una novela de Georges Simenon, es la historia de un viejo matrimonio separado por el tedio y la incomunicación. Ella ha sido acróbata de un circo, él tipógrafo. El marido enfoca todo su afecto en un gato encontrado en la calle. El mismo gato es recipiente, por ello, del odio de la esposa.

En primer lugar, hay que destacar que se trata de una verdadera masterclass en el arte de la actuación cinematográfica por dos de los profesionales más destacados de este arte. Nueve de cada diez personas que estén interesados en los comentarios de una película como esta, conocen perfectamente la extraordinaria contribución al cine de Jean Gabin y Simone Signoret.
Gabin pasó 15 años en la escena del Music Hall francés antes de debutar en el cine en 1928, donde nos regaló con verdaderos Clásicos como "La Belle Equipe", "Pepe Le Moko", "Quai des Brumes", "Le Jour sí leve", "La Grande Illusion", "Remorques", "Touchez au-pas Grisbi", "La Travesía de París" o "Melodie sous-sol", (por nombrar sólo algunas); mientras Simone Signoret, con un inicio un poco más tardio (1942) porta un impresionante currículum, como el temprano éxito "Dédée d'Anvers" (dirigida por su primer marido, Yves Allegret) y pasó a figurar en títulos tan clásicos como "La Ronde", "Casque d'Or", "Les Diaboliques", "L'Armée des Ombres" y el film inglés "Room At The Top", cuya actuación le proporcionó su primer nominación al Oscar para una actriz extranjera. Estos fueron pues los antecedentes y experiencia que estos actores aportaron en su madurez a esta impresionante película llamada "Le Chat".

Como historia testimonial de una relación que se ha agriado hasta el punto de amargura tal donde ya casi no hay comunicación, esta película acierta en todos los objetivos que pretende. Hay largos pasajes en el comienzo donde asistimos a actuaciones no verbales de alto orden que nos dicen -y utilizo este verbo deliberadamente en lugar de mostrar- lo que está pasando, lo que ha ocurrido y lo que será la inevitable conclusión. Controlar la vacuidad, la amargura de esta relación es casi imposible -a pesar de los recordatorios sutiles- y realmente cuesta imaginar que alguna vez se hubieran amado tanto, que hubieran elegido pasar su vida juntos. Ahora, inexplicable y discretamente, el amor se ha desintegrado hasta que Julien (Gabin) sólo ama a su gato, mientras que Clémence (Signoret) todavía suspira con nostalgia por el amor que se ha perdido y se refugia en la bebida. El enorme peso de la incomunicación y el silencio entre estas dos personas -que ya prácticamente no se dirigen la palabra- y la forma en que siguen viviendo pendientes el uno del otro genera una tensión omnipresente a lo largo del film, como una desesperación contenida a punto de estallar en cualquier momento.
Hay poco o nada edificante en esta historia -con edificios vecinos que están siendo derribados a su alrededor como metáfora de su vida y relación- pero la gran actuación siempre va más allá de las emociones melodramáticas y pocas actuaciones en la historia del cine pueden ser tan grandes como éstas.

Un film -a pesar de su oscuridad- brillante.

Ganadora del Oso de Plata para Mejor Actriz (Simone Signoret) y Mejor Actor (Jean Gabin) en el Festival Internacional de Berlín de 1971 y nominada al Oso de Oro para el director, Pierre Granier-Deferre.

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No Tocar La Plata

2010-08-03T02:00:00.000-07:00

Viernes 20 de agosto

Título original: "Touchez Pas Au Grisbi" (1954) (También conocida como "Grisbi" y "No Toquéis la Pasta")

Dirigida por Jacques Becker; con jean Gabin, Jeanne Moreau, Lino Ventura, René Dary y otros. (94 min.)

Touchez Pas Au Grisbi es una adaptación de la novela del propio guionista, Albert Simonin, y trata del último gran robo de un par de viejos gangsters, Max (Jean Gabin) y su viejo amigo y compañero de correrías, Riton (René Dary), luego del cual planean retirarse. Ambos saben que ya están viejos y cansados de la estupidez insolente de los nuevos delincuentes y del ambiente de este submundo, que sus días como criminales están contados y que lo único seguro que tienen es su amistad y lealtad inquebrantables.

Pero no todo es tan fácil: antes tienen que convertir el botín (cincuenta millones de francos en lingotes de oro) en dinero, para lo cual es necesario dejar pasar un tiempo. Aquí el director no pierde el tiempo explicando el robo, sino que la historia se desarrolla en lo que sucede a partir de allí, cuando Riton le cuenta este secreto a su amante (Jeanne Moreau), una corista con más ambiciones que cerebro...

La novela original de Albert Simonin tuvo un impacto revolucionario en la novela negra francesa. El film se estrenó en París en Marzo de 1954, marcando el debut de Lino Ventura en la gran pantalla, y es un claro ejemplo de las influencias culturales entre Francia y EEUU en el ámbito cinematográfico, donde los franceses y americanos se atribuyen la creación del cine negro.

El director, Jacques Becker, que también colabora en el guión, consigue una atmósfera crepuscular y fatalista, y dota a los personajes de una humanidad poco vista hasta entonces y muy imitada posteriormente por directores de la talla de Jules Dassin o Jean-Pierre Melville, entre muchos otros, allanando el camino a otras grandes películas francesas de cine negro que se realizaron después de 1955, como Rififi. Es así que Touchez Pas Au Grisbi se convirtió en el largometraje más influyente de la época a partir del momento de su estreno.

También supuso la vuelta al estrellato de su protagonista: Jean Gabin. A sus cincuenta años, uno de los mejores actores franceses de todos los tiempos lograba ser de nuevo el centro de atención de la crítica y el público.

La espectacular actuación de Jean Gabin no es lo único que destaca en Grisbi, prácticamente todo el reparto está genial. Desde una jovencísima Jeanne Moreau (impagable pegándose un nariguetazo de cocaína en el auto) hasta el ya citado debutante Lino Ventura (que interpreta a Angelo, uno de los ingratos delincuentes de la nueva camada, preparado como un ave de rapiña para echarse al cuello de quien tenga el dinero), todos los personajes están perfectamente retratados hasta el menor detalle.

Las traiciones, violencia e intrigas se suceden con una magnifica fotografía en blanco y negro de Pierre Montazel (habitual en el cine de Becker) y con un fondo musical muy apropiado: unas notas de jazz que, de forma recurrente, suenan en un viejo tocadiscos.

Con este canto a la amistad y a la lealtad, con esta visión poética de los bajos fondos parisinos logró Jacques Becker una obra maestra (es memorable la escena en que Max y Ritón comen paté con tostadas, beben vino, y luego se cepillan los dientes y se reparten las camas y los pijamas).

Todo un clásico del mejor cine negro francés, un film celebrado por Truffaut y Godard, que le valió la consagración a Gabin en el Festival de Venecia.

Para terminar hacemos nuestro el comentario final de Tiznao en el sitio de internet sobre cine IMDB en español, "Jacques Becker en la dirección, Jean Gabin regalándonos uno de esos personajes que se te quedan clavados en la memoria de por vida (impagable su modo de repartir bofetadas sin distinciones de sexo), una Jeanne Moreau guapísima a sus 26 años, un Lino Ventura más chulo que un ocho apuntando lo buen actor que llegaría a ser, una trama que te mantiene atento a la pantalla sin pestañear y te hace disfrutar como un descosido, y un violento, seco, trepidante, y fascinante final de la trama con el botín de por medio (las escenas que cierran la película tras esa traca en las afueras de la ciudad, son para aullar de placer), imposible de igualar a día de hoy por mucho CGI o efectos especiales que le quieran meter; pedir más es avaricia."

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A Pleno Sol

2010-08-03T01:00:00.000-07:00

Viernes 27 de Agosto

Título original: "Plein Soleil" (1960)

Dirigida por René Clément; con Alain Delon, Marie Laforet y Maurice Ronet. Música: Nino Rota. (115 min.)

Es un hito insoslayable en la historia de la cinematografía. El policial francés tuvo con "A Pleno Sol" uno de sus mayores éxitos a nivel mundial, venerado hasta el día de hoy, y supo ganarse el título de "Clásico" desde el día de su estreno. Rodada durante 1959, su estreno tuvo lugar el 10 de Marzo de 1960.

Decía Miguel Ángel Palomo, del diario español "El País", que "la mítica novela de Patricia Highsmith sirve de base a este maravilloso thriller, en el que Alain Delon regala una legendaria encarnación del amoral Ripley, embarcado en un intento de crimen perfecto con el que saciar su arribismo y sus ambiciones. Un filme repleto de codicias turbias y pasiones oscuras, de embriagadora cadencia y asfixiante intensidad".

En efecto, este thriller francoitaliano basado en la novela "The Talented Mr. Ripley" hace un estremecedor retrato de su protagonista, Tom Ripley (Alain Delon), quien intenta convencer a Philippe Greenleaf (Maurice Ronet), un joven millonario, de que vuelva a EEUU, a pedido del padre de este último, quien le pagaría una recompensa por ello. Pero Greenleaf no tiene ningún interés en volver a EEUU, y cuando Ripley se da cuenta, comienza a idear un perverso plan... y a partir de ahí irá ejecutando ese plan que aparentemente no tenía en mente pero que a través de miradas sutiles podía intuir el espectador.

La soltura con la que está rodada es producto del aire renovador de la Nouvelle Vague que rodeaba al cine de entonces y ofrece una singularidad y un carácter perturbador únicos. En todo momento se siente la tensa relación entre los personajes, donde a cada rato surge la humillación, la desconfianza y la simulación. Tom Ripley aparentemente se ha hecho amigo de Philippe Greenleaf, pero en realidad Ripley es siempre objeto de los sofisticados desprecios de Greenleaf, que generalmente se centran en sus limitaciones culturales y de educación, generando en él secretos deseos de venganza.

Como bien dice Palomo, "A Pleno Sol" se desarrolla con una cadencia arrebatadora, sin prisas, sin precipitaciones, en un ambiente luminoso e idílico que contrasta con lo retorcido de las intenciones del misterioso amigo americano. En todo momento se intuye la tragedia; la tensión progresa en aumento. Sabemos que Ripley es un tipo agradable, educado y encantador a primera vista, pero algo oscuro reside en su interior. Y su plan se muestra altamente eficaz hasta la llegada de un desenlace memorable e irónico, que, en la tradición de los crímenes (im)perfectos, cierra de forma inmejorable la película.

Ciertamente A Pleno Sol ofrece la perversa belleza de su look visual –excepcional cromatismo en la fotografía de Henri Decae-, destinada a potenciar una narrativa que no sigue los patrones convencionales y prefiere indagar en la mirada, las reacciones, los gestos y buscando a través de ellos el estudio de sus caracteres. Quizá sea ese uno de sus logros y el que ha permitido que con el paso del tiempo su condición de clásico siga vigente mientras que otras realizaciones del período hayan envejecido irremisiblemente. Puede ser que el film de Clément abriera y cerrara al mismo tiempo un camino en el cine moderno. Podríamos decir que este director logró en una sola película quizá más que los Godard, Antonioni o Truffaut al adoptar elementos del cine de éstos pero aplicados en una historia más cercana al cine clásico.

En cualquier caso su presencia permanece, como permanece su condición de espléndido, pérfido y atrevido thriller. Y emerge también la belleza, variedad y acierto de la partitura de Nino Rota, que combina su integración musical en la Italia de la época, que se debatía entre el eco de sus tradiciones y su integración en la modernidad.

Una de las virtudes de esta versión de la novela de Highsmith es que da la sensación de realismo, de autenticidad. Los personajes son creíbles y consistentes gracias al trabajo de los actores; desde la enorme expresividad de los ojos de Marie Laforet a la febril ingenuidad y torpe aire dominador de un Maurice Ronet espléndido. Pero, por encima de todo, emerge la creación de un Alain Delon en estado de gracia, en un trabajo por el que vale toda una carrera, que le permitió consagrarse como prototipo del beau tenebraux.

Así pues, sufrimos por Ripley a pesar de su carencia de escrúpulos, a pesar de su condición de personaje negativo que, no obstante, resulta atractivo y nos mantiene sin despegar la atención de la pantalla hasta el final. Su Tom Ripley pertenece por derecho propio a la larga galería de encarnaciones del mal que ha dado el cine. Quizá de entre las más singulares. Y permite por supuesto comprobar el instintivo talento de una presencia de la que se enamora la cámara irremediablemente.

Como curiosidad, en esta película aparece una joven Romy Schneider en un pequeño papel (como acompañante de Fred, el amigo de Greenleaf) que ni siquiera figura en los créditos.

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Plein soleil
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Divorcio A La Italliana

2010-07-01T04:00:00.000-07:00

Viernes 2 de julio a las 19 hs

Título original: "Divorzio Alla Italiana" (1961)

Dirigida por Pietro Germi; con Marcello Mastroianni, Daniela Rocca, Stefania Sandrelli. (105 min.)

Fernando, doce años casado con Rosalia, se ha enamorado locamente de Angela, su sobrina, una linda joven de dieciséis años. Cuando descubre que Angela le corresponde, su imaginación comienza a trabajar en busca del método más limpio para conseguir el divorcio. Un genial Matroianni enamorado de su prima descubre que, según la legislación italiana, la mejor manera de quitarse de encima a su mujer no es el divorcio… es ¡liquidándola!

Divertidísima película de gran éxito internacional que obtuvo el Oscar al mejor guión original, además de dos nominaciones para Mastroianni y Pietro Germi.
Un gran divertimento que desparrama ingenio, esconde no poca mala leche y se erige, desde su estreno, como una obra clave de la “comedia a la italiana”.

Trama bien narrada y acompañada de un inteligente guión. Nos detalla toda la maquinación que realiza el personaje por eliminar a su pareja. Pero lo hará de una manera fina y sutil, sin ningún indicio de sospechas. La voz del personaje en “off” personificando a su conciencia y narrando como será el desenlace de su esposa, es simplemente magistral. Mención aparte, es la interpretacion de Mastroianni, devorándose toda la película con el papel de un malo que sale ganándose la simpatía del espectador. Filme acoplado con una música que ayuda en darle más fuerza a cada escena intrigante del personaje.

Divorcio a la italiana es sin duda una de esas películas que no ocupan el lugar que realmente se merecen, pues a mi parecer se trata de una de las obras maestras indiscutibles del cine italiano, una comedia con un sentido del humor inteligente y lleno de malicia como nunca se ha visto.

Una de las claves del nivel de esta película es un guión perfecto (premiado justamente con el oscar), que se apoya en una absurda ley de la constitución italiana para crear una trama divertida a la vez que crítica. La narración habitual se entremezcla con las imaginaciones e intenciones del personaje de forma magistral. Y por supuesto, Mastroianni, más recordado por otras películas, pero que consigue aquí su mejor interpretación en el papel del imperturbable y reflexivo barón que planea con detalle como librarse de su esposa.

La acción tiene lugar en Agramonte, pequeña población agrícola de ficción, del Sur de Sicilia, próxima a Catania, en 1959/60, con un epílogo en 1961. Ferdinando “Fefe” Cefalú (Marcello Mastroianni), aristócrata rural, de 37 años, lleva 12 casado con Rosalía (Daniella Rocca), fea y vanidosa. Enamorado de su prima Ángela (Stefania Sandrelli), de 16 años, concibe un plan siniestro para deshacerse de Rosalía y casarse con Ángela.

La película es una comedia dramática con elementos de comedia negra, crítica de costumbres y sátira social. La narración se desarrolla en términos de farsa amarga, iconoclasta y dolorosa. El autor construye el relato con insatisfacción, frustración, irritación y enfado. Las situaciones, las relaciones y los diálogos, divertidos e hilarantes, se basan en un humor de tintes negros, patéticos, sombríos y absurdos. La crítica se focaliza en la inexistencia del divorcio, las disfunciones que crea, los problemas que provoca y los males mayores que genera. Un segundo blanco de crítica es el artículo 587 del Código penal italiano, que establece una importante reducción de penas en los casos de “delito de honor” (asesinato de la mujer cuando el marido la encuentra en flagrante adulterio). La crítica se extiende a la implicación del clero en la política, la propaganda desde el púlpito a favor de un partido, la escasa capacidad de convicción del párroco en su condena de espectáculos pecaminosos, como La Dolce Vita (1960, Federico Fellini), la afluencia masiva de público a la sala en la que se proyecta, el desprestigio social del marido burlado y abandonado por la mujer, la extensión de su infamia a los familiares, la presión y el apoyo social a la venganza sangrienta por honor. Se critica el pomposo machismo italiano, el discurso aparatoso y rimbombante del abogado, los prejuicios sociales. Desacraliza la aristocracia (ociosa y arruinada), el prestigio del médico del pueblo (aficionado al comadreo), el Código penal, la moral pública, el matrimonio, etc.

El filme lanzó al estrellato internacional a Mastroianni. Su título dio nombre a la llamada “comedia a la italiana”, de los años 60. El plano final, rebosante de ironía, indica que la historia no termina ni sigue: vuelve a empezar.
(Fuente: Claqueta.es)

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Un Día My Particular

2010-07-01T03:00:00.000-07:00

Viernes 16 a las 19 hs

Título original: "Una Giornata Particolare" (1977)

Dirigida por Ettore Scola; con Sophia Loren, Marcello Mastroianni, John Vernon. (110 min.)

El 6 de mayo de 1938 Benito Mussolini recibe en Roma a su aliado Adolf Hitler con todos los honores, en un acto multitudinario con desfiles militares al que acude la mayor parte de la población.
En ese mismo momento, en Roma, Antonietta (Sofia Loren) conoce por casualidad a un misterioso vecino,
Gabriele (Marcello Mastroianni) y a partir de allí se desarrolla una historia donde dos personajes ignorados viven las únicas horas de libertad de sus amargas y deprimentes vidas
Ella es la típica mujer de la Italia fascista: infeliz, postergada, sometida y reprimida, poco instruída, madre de una típica familia numerosa de clase obrera, que prepara el desayuno y la ropa a sus 6 hijos egoístas y a su marido autoritario (excepcional acierto del casting al elegir al actor norteamericano John Vernon, con una "mascara" muy apropiada para el personaje) para asistir al evento y se queda en su casa bebiendo las sobras y realizando sus tareas de ama de casa. Sabe que sus inquietudes jamás serán tenidas en cuenta, pero no se atreve ni por un momento a cuestionar ese orden de cosas. Sus únicas actividades creativas están relacionadas con su adoración a Mussolini -los recortes de prensa y un retrato hecho con botones- y con su incuestionada creencia en el fascismo.
Él es un hombre atractivo, inteligente, amable y educado, que trabajaba como locutor de radio, pero acababa de ser despedido por ser sospechado de homosexual y estaba a punto de suicidarse cuando súbitamente su vecina lo interrumpe tocando la puerta.
Él la trata tan bien como jamás la habían tratado en su vida, y esto la hace sentir inusualmente feliz, ya que no está acostumbrada a eso.

Él es antifascista porque no puede ser otra cosa ("yo no creo que el inquilino del sexto piso sea antifascista, más bien el fascismo es anti-inquilino del sexto piso", dice en una ocasión). Ella es fascista porque no cree ni concibe que se pueda ser otra cosa, por muy sola, frustrada, maltratada y despreciada que se sienta (aunque ni siquiera sabe lo que lo siente) en un mundo en el que lo viril es lo supremo y lo femenino no debe salir de las paredes del hogar.

Ambos son desgraciados en gran parte por culpa de ese gobierno y de la sociedad machista que lo ha apoyado: él es un homosexual y por tanto un marginal, ella es una ama de casa que debe soportar callada las continuas infidelidades y el maltrato de su marido, llevando una vida patética y gris, donde todo se reduce a limpiar, lavar, planchar, cocinar y tener sexo sólo cuando el marido lo dispone.

La película se centra en la evolución de la relación entre los dos personajes infravalorados a lo largo de esas horas en que se produce el histórico desfile. Todo el escenario en que sucede la historia es el edificio donde viven y donde se encuentran casi solos, salvo por una portera chismosa que intenta husmear y le aconseja a Antonietta alejarse de ese tal Gabriele porque es una mala influencia.
Lo que sucede en las calles no se ve, nos lo cuenta una radio que pone la portera del bloque de edificios donde viven los personajes.

Un Día Muy Particular no es una historia de amor ni sobre la amistad: es una historia de desolación y de desesperanza. Es una historia de soledad y tristeza, que rinde homenaje a algo tan grande como escaso: la libertad. Todo sucede en un sólo día; ambos saben que no volverán a verse, pero jamás lo olvidarán.

Precisamente, la única banda sonora que acompaña a los personajes es la omnipresente radio de la portera hablando sobre el pomposo desfile del Fürer y el Duce, lo cual es un verdadero acierto, pues además de ser la banda sonora más original que pudo haberse utilizado, refuerza la idea de que todo eso sucede en otro lugar, mientras estas dos almas solitarias encuentran un fugaz aunque intenso momento de felicidad pudiendo ser por unas horas ellos mismos.

Además de las sublimes interpretaciones por parte de ambos, la dirección de Ettore Scola es impecable, logrando que la historia transcurra con total naturalidad y sin aburrir. Es de destacar el logro de esa atmósfera asfixiante que llega desde la calle a través de los megáfonos y la radio que transmite el desfile en directo.

El guión de Maurizio Costanzo, Ruggero Maccari y Ettore Scola es otro acierto, con unos diálogos muy bien delineados y equilibrados. La fotografía de Pasqualino De Santis también es magnífica, siempre con una atmósfera seria y gris, como la vida de los protagonistas.

Estrenada en 1977, la película logra transmitir el machismo de la época fascista -con mujeres relegadas a ser las sirvientas del hogar-, donde a los italianos se les pagaba para que tuvieran muchos hijos y los solteros debían pagar un impuesto a la soltería.

"Una Jornada Particular" es una película radical, nada condescendiente con la ceguera del pueblo italiano que apoyaba en masa al facismo y a su Duce, y se enorgullecía de ello. Este es el gran escándalo que causó el largometraje, ya que muestra la falta de resistencia al fascismo y la inmensa estupidez de los italianos que soñaban con delirios imperiales.
A la vez, la película plantea muchas cuestiones al mismo tiempo: guerra, familia, tolerancia, condición de la mujer, fanatismo, homosexualidad, etc. Es muy significativo y genial como se nos presenta a las dos estrellas del film: la glamorosa Loren despeinada, a cara lavada, con un batón raido y pantuflas agujereadas, y el gran amante latino Mastroianni como un sensible y atormentado homosexual.

De esta manera, el director ha logrado una verdadera obra maestra del cine italiano y uno de los mejores retratos de la Italia fascista, sin necesidad de recurrir a ningún tipo de efectos especiales ni escenarios maravillosos. Sólo una historia hondamente humana sostenida por dos interpretes superlativos en estado de gracia, nada menos que la gran pareja cinematográfica de Italia: Sophia y Marcello.

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"L'ordine è la virtù dei mediocri" ("El orden es la virtud de los mediocres")

Todos A Casa

2010-07-01T02:00:00.001-07:00

Viernes 23 a las 19 hs.

Título original: "Tutti A Casa" (1960)

Dirigida por Luigi Comencini; con Alberto Sordi, Serge Reggiani, Eduardo De Filippo, Martin Balsam y otros. Producida por Dino De Laurentiis (120 min.)

Ambientado en la II Guerra Mundial, el 8 de Septiembre de 1943 Alberto Innocenzi (Alberto Sordi), se despierta sorprendido y alarmado porque sus antiguos aliados de la Wehrmacht atacaron su base. "¡Algo increíble ha sucedido! ¡Los alemanes se han unido a los Aliados y nos están atacando!" - le dijo a un comando superior cuando al fin pudo comunicarse con alguien por teléfono.
Luego de enterarse por la radio del cambio de bando de Italia y de no poder encontrar ningún superior que le diera órdenes precisas o al menos coherentes sobre cómo actuar, ve que el caos y la confusión se han apoderado de las tropas italianas y que los soldados, ya hartos de la guerra, han decidido volver a sus casas a como diera lugar y sin importar los riesgos.
Finalmente él junto a unos soldados -el ingeniero Ceccarelli (Serge Reggiani), que tiene licencia por enfermedad, y el sargento Fornaciari (Martin Balsam)- emprenden como pueden el largo y difícil regreso como desertores, teniendo que sortear todo tipo de problemas, en medio del descontrol de la Italia de finales de la Segunda Guerra, donde los alemanes, los aliados, los fascistas y los partisanos todavía seguían luchando y el hambre enfrentaba a los mismos civiles por una mísera bolsa de harina.

Excelente película del cine italiano que refleja los momentos posteriores a la rendición del ejército italiano ante los aliados en la II Guerra Mundial. Comencini tiene una sensibilidad casi única para captar sentimientos y gestos más allá de las palabras, y utiliza el caos posterior a la capitulación para desarrollar a partir de allí una interesante tragicomedia que, partiendo de una postura totalmente antiheroica, da lugar a una reflexión algo desencantada sobre la condición humana, con sus miserias, sus pequeños actos de heroísmo y de egoísmo, con sus lealtades -ejemplificadas en la solidaridad entre los soldados y, en todo caso, con los partisanos- y sus ilusiones vanas -ejemplificadas en la escena en la que el padre de Sordi (Eduardo De Filippo) se las ingenia para que su hijo se una al ejército fascista de Mussolini, retratando las ilusiones de grandeza de los ancianos y la desilusión de sus hijos con las ideas de sus padres y, ante todo, con la guerra misma.

Nino Manfredi fue pensado originalmente para el papel finalmente desempeñado por Reggiani, pero al parecer Sordi se opuso a la idea de tener dos estrellas cómicas en la película. No obstante, el resultado es una historia bastante creíble y sin concesiones, con buen ritmo y algunos elementos de road movie.

A pesar de ser galardonada con el David Di Donatello a la mejor producción (Dino de Laurentiis) y la estatuilla de oro en el Festival de Cine de Moscú a la mejor película (Luigi Comencini), es un film injustamente muy poco conocido fuera de Italia.

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Pascualino Siete Bellezas

2010-07-01T01:00:00.000-07:00

Viernes 30 de julio a las 19 hs.

Título original: "Pasqualino Settebellezze" (1975)

Dirigida por Lina Wwetmüller; con Giancarlo Giannini, Fernando Rey, Elena Fiore y otros. (115 min.)

Pasqualino, víctima y verdugo en tiempos de odio y sinrazón.

Siempre lúcida y desencantada, la irreverente Lina Wertmüller saldó cuentas con la propia maldad inherente al ser humano realizando una de las aproximaciones más terribles e inteligentes a ese vergonzoso pedazo de historia que fue el nazismo. Lo hizo siguiendo los pasos de Pasqualino (Giannini, en una de las mejores interpretaciones de todos los tiempos), seductor de poca monta y fiel defensor de rancios y caducos valores (nobleza, decoro), los que pretende atribuir a su propia prole: madre y siete hermanas. Así empieza, como descripción en flashback sardónica y pintoresca. Pero en el transcurso de la película esta irá mudando de piel sucesivamente, abriéndose a nuevas (y cada vez más tristes) lecturas.

Lo que en un principio apunta a una farsa burda y tronchante de tintes negros y policíacos (a medio camino entre el western revisitado en clave irónica -el decadente duelo en el prostíbulo- y el más puro Fellini -esas carnales y lujuriosas hermanas), se torna después en drama desolador. Afortunadamente la risa amarga no llega a desaparecer del todo; la comedia sirve como perfecto cauce a través del cual describir al protagonista, patético y tierno a la vez, con sus (escasas) virtudes y sus (muchos) defectos, algo así como la perfecta representación de una Italia fascista encharcada en sus propias ansias de poder y grandeza, a la que la Wertmüller pone en su sitio en un diálogo memorable. Luego todo se tuerce, los ángulos humorísticos se irán matizando conforme avance la peripecia de Pasqualino, hasta desembocar en un tramo final en el que ya se ha sobrepasado la línea y no hay vuelta atrás: cualquier apunte cómico queda fuera de lugar, sólo hay sitio para la lágrima y el dolor.

El talento de Wertmüller no sólo reside en su asombrosa capacidad para aunar comedia y drama, llegando incluso a hacer humor con un hombre ahorcado al fondo del plano (y sin recurrir a zafios sentimentalismos: ¡aprende, Benigni!), sino en crear metáforas perfectas para ilustrar el progresivo deterioro moral al que se expone el ser humano en su último afán por sobrevivir. No hay duda: la película es cristalina y demoledora, terrible en su diagnóstico y durísima en su exposición. Como no podía ser de otra forma, las palabras de Hobbes vuelven a mostrarse verdaderas y el sentimiento que queda es el de la rabia y la impotencia que nos atenazan cuando se impone sin remedio y ante nuestros ojos la locura colectiva más destructiva y terrorífica que se pueda imaginar. No por nada la película comienza con un poema recitado en tono grave, mientras de fondo se suceden imágenes de caos, destrucción, muerte y desolación que preludian el claro devenir de nuestros días, ligados a un futuro opaco y desesperanzador: un futuro en el que la gente se mata por una simple manzana.

☻ Por Nachete, desde Málaga, España.

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La Mujer Del Cura

2010-06-01T15:00:00.000-07:00

Viernes 4 de junio

Título original: "La Moglie Del Prete" (1971)

Dirigida por Dino Risi; con Sophia Loren y Marcello Mastroianni.

Valeria Billi (Sophia Loren) es una joven que acaba de sufrir un desengaño amoroso tras cuatro años de relaciones con un hombre que le ocultó que estaba casado. Antes de intentar suicidarse, busca ayuda en un teléfono de auxilio a desesperados en el que encuentra el apoyo moral de un sacerdote, el padre Mario Cartessi (Marcello Mastroianni), del cual se termina enamorando -y él de ella a su pesar,
ya que no quiere pecar.

A partir de allí, la historia se complica porque la Iglesia no quiere permitirle al cura abandonar los hábitos sin ser excomulgado, lo cual es inaceptable para él.

Una comedia dramática que trata el tema del celibato obligatorio en los sacerdotes y echa un haz de luz sobre toda la hipocresía que hay detrás.

Sophia Loren está espléndida, en su mejor momento, tal vez en uno de sus mejores papeles, con un Dino Risi en su salsa que le deja a la diva todo servido en bandeja para que ella se luzca, inclusive un soberbio Mastroianni, en un papel difícil y contenido, pleno de sutiles matices.

La estupenda banda de sonido original es del especialista Armando Trovaioli, y se destaca en una importante escena el clásico tema de Teddy Randazzo "Goin' Out Of My Head" cantado nada menos que por Frank Sinatra.

Una excelente película que en Argentina sufrió los embates de la "autocensura" (ya que nunca fue prohibida), siendo condenada a un inmerecido olvido, donde, como siempre, el plus es difrutar de la increible y única química de una de las más maravillosa parejas cinematográficas de la historia: Sophia y Marcello.

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Mimi Metalúrgico Herido En Su Honor

2010-06-01T14:00:00.000-07:00

Viernes 11 de junio

Título original: "Mimi Metallurgico Ferito Nell'onore" (1971)

Dirigida por Lina Wertmüller; con Giancarlo Giannini, Agostina Bell, Mariangela Melato, Turi Ferro, Luigi Diberti, Elena Fiore. Guión: Lina Wertmüller. Música: Piero Piccioni. (121 min)

Mimi, tras perder su trabajo, deja a su mujer en su Sicilia natal y viaja solo a Turín a buscar trabajo. Allí se convierte en metalúrgico y amante de una comunista, Fiore. A su regreso a Sicilia descubre que su esposa va a tener un hijo de otro y prepara cuidadosamente su venganza contra el que lo ha hecho cornudo, seduciendo a su mujer.

Pintura de la realidad grotesca de la sociedad italiana de la década de los 60. El nuevo mundo que abre en la ciudad para quien migra desde un pueblo. Por un lado el trabajo del obrero en el colectivo del sindicato, las nuevas posturas de libertad en las relaciones sentimentales, confrontando por otro lado con los tabúes de la cultura pueblerina.
Todos estos contrastes llevados a la pantalla con una muy buena expresión visual planteando una sátira con extraordinaria narrativa por parte de Lina Wertmuller.

Mimi Metalúrgico fue, en su momento, objeto de aceptación crítica (Wertmüller ganó por ella el premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes), éxito formidable de público en todo el mundo y plataforma para un sinfín de polémicas. Algunas de ellas ya zanjadas, otras no tanto. El tratamiento del machismo y el patriarcado en la sociedad italiana, así como la mirada impiadosa sobre el concepto del “honor”, le granjeó a Wertmüller no pocos objetores, tanto de parte de conservadores como de diversas asociaciones "progresistas

Valiéndose de un humor casi salvaje, la película acompaña la lenta, inexorable y absurda caída de su protagonista, Carmelo (Giancarlo Giannini obtuvo un premio David di Donatello por su participación en este film), fruto de prejuicios propios y ajenos. Como si hubiese sido la víctima propiciatoria de un esquema social que nació mucho antes que él y que lo sobrevivirá, Carmelo no sabe muy bien por qué le van pasando las cosas; se acomoda a ellas con una dosis de fatalismo que deja un sabor agridulce, más allá de las risas que despiertan sus crecientes incidentes familiares y sus entreveros con personajes non sanctos.

El desarrollo de la venganza del obrero "herido en su honor" produce las imágenes más inusuales, delirantes e hilarantes del cine de todos los tiempos.

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Un Burgués Pequeño Pequeño

2010-06-01T13:00:00.000-07:00

Viernes 18 de julio

Título original: "Un Borghese Piccolo Piccolo" (1977)

Dirigida por Mario Monicelli; con Alberto Sordi, Shelley Winters, Vincenzo Crocitti y otros (122 min.)

Un modesto funcionario público está próximo a la jubilación. Decide ingresar en la logia masónica a la que pertenece su jefe para, de este modo, ganarse su respeto y lograr que su hijo entre a trabajar en el mismo ministerio que él. De golpe un hecho inesperado cambiará para siempre su vida.

Una historia fuerte desarrollada magníficamente. El argumento trata sobre el aterrador drama de un hombre común que sufre una tragedia sin igual. Las reacciones, motivaciones y transformaciones psicológicas de este hombre son el leit motiv de la película.

Desde el primer minuto no se puede dejar de sentir empatía e identificación con el protagonista (Alberto Sordi), especialmente si el espectador es padre de familia, quedando conmovidos por el dolor y reacciones de un hombre que no puede asimilar la tragedia que le ha tocado vivir. Alberto Sordi se luce en una actuación de suma intensidad, junto a Shelley Winters como partenaire, extraña pareja y sin embargo un gran acierto del director.

Una película que nos deja profundamente afectados de la misma manera en que lo hacen películas como "Feos, sucios y malos" de Ettore Scola o incluso "Saló (o los 120 días de Sodoma)" de Pier Paolo Pasollini.

Sordi es único, nadie interpreta de la manera en que él lo hace, tanto comedia como tragedia, y por eso ninguna película en donde él actúe queda sin su sello personal. Pero el sello de Sordi no es como el de los actores que vuelcan su propia personalidad carismática en la interpretación (De Niro, Pacino, Hoffman, etc.), Sordi impone una marca de intensidad, su interpretación habla de lo insondable de los sentimientos humanos. Un actor con mayúsculas, como Gassman, Volonté o Mastroiani, pero a diferencia de aquellos, lo que identifica y diferencia a Sordi es esa versatilidad que tiene para moverse con holgura entre los extremos dramáticos, una cualidad que nos transporta a su propio mundo de interpretación y nos presenta una realidad creíble y a la vez surreal.

Es de destacar que el mismo año que filmó este "capolavoro" también filmó los tres sketches que protagoniza en la genial "Los Nuevos Monstruos" (film que cerrará el mes de Junio del ciclo Función Especial)

La mayoría de las películas del director Mario Monicelli se centran en gente común, que hablan y viven como cualquiera. Suelen ser personajes que no tienen los recursos necesarios como para superarse y, dada la oportunidad de hacerlo, resultan despistados creadores de situaciones condenadas al fracaso cómico. Gracias a intérpretes como Vittorio Gassman, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Toto, Nino Manfredi y otros, Monicelli ha producido exuberantes comedias humanas a partir de los pesares cotidianos de todos los días. Sus personajes suelen ser egoístas y graciosamente destructivos, tontos queribles inmersos en un mundo lleno de fuerzas hostiles e incomprensibles. Ya desde los años cincuenta, marcados por el “milagro económico” italiano, Monicelli lanzaba granadas satíricas hacia la hipocresía institucional, el conformismo y toda otra clase de enfermedad o espejismo social. Su cine ha reunido siempre, con una audacia considerable, humor grotesco y crítica social.

Esta verdadera joya del cine italiano de todos los tiempos es una de las grandes cimas del mismo, como así tambien de su director Monicelli y el inmenso Alberto Sordi, en el que tal vez sea el papel de su carrera.

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Los Nuevos Monstruos

2010-06-01T12:00:00.000-07:00

Viernes 25 de junio

Título original: "I Nuovi Mostri" (1977)

Dirigida por Mario Monicelli, Dino Risi y Ettore Scola; con Vittorio Gassman, Alberto Sordi, Ugo Tognazzi, Ornella Muti y otros (155 min.)

En 1964 Dino Risi filmó "I Mostri" (Los Monstruos), un conjunto de episodios en clave de humor sobre la realidad social y política italiana de los años 60 que componían una película. Catorce años después, tres conocidos directores (Dino Risi que repite, Mario Monicelli y Ettore Scola) junto a tres de los más grandes actores italianos (Sordi, Tognazzi y Gassman) se reunieron para mostrar, en 9 episodios, su visión crítica, caricaturesca y a la vez coherente sobre diversos aspectos de la vida italiana de aquella época.

Se compone de 9 episodios, contando con un notable equipo de actores a sus anchas, desde el histrionismo a la pausa, dónde sobresale un Sordi en estado de gracia.

La película es un mosaico de pequeñas historias, que pretende aportar una visión cómica acerca de la sociedad italiana de finales de los setenta, repletas de humor negro e ironía corrosiva, como la primera del Obispo (gran Gassman) que accidentalmente recala en una parroquia obrera, la del modoso señorito genialmente interpretado por Sordi que recoge a un peatón atropellado, o la del intento de ingresar "a traición" a una madre en el asilo. Otros fragmentos destacan por su humor clásico, como la discusión del cocinero y el camarero, o por tener un sorprendente final, como en la historia de amor de la azafata y el extranjero desconocido.

Las mayores virtudes vienen de la mano de las interpretaciones, especialmente en las apariciones de Sordi, uno de los actores con mayor talento para la comedia que ha dado el cine, bien secundado por el resto (el histriónico Tognazzi, el citado Gassman o la bellísima Muti), secundarios incluidos.

El cine italiano ya no puede hacer películas como esta. Porque si repasamos su actualidad no vemos un solo heredero de los formidables actores que la protagonizan, como Sordi, Tognazzi y Gassman. Ni de ellos ni de otros también formidables como eran De Sica, Mastroianni, Totó, Manfredi, Fabrizzi o Salvatori.
Los episodios se suceden provocando la sonrisa, la risa y la constatación de que, aparte de unos formidables actores, les dirigían tres directores de la talla de Monicelli, Risi y Scola.

Monicelli, nacido en 1915, es el de más experiencia. A principios de los años cuarenta comienza a escribir guiones y, poco después, empieza a dirigir en colaboración con Steno. En 1953 se independiza y hace obras tan interesantes como "Rufufú" (I Soliti Ignoti, 1958), "La Gran Guerra" (La Grande Guerra, 1959), "La Armada Brancaleone" (L'armata Brancaleone, 1966) y "Un Burgués Pequeño Pequeño" (Un Borghese Piccolo Piccolo, 1977). Risi, nacido en 1917, realiza una irregular carrera como realizador que empieza en 1949 y en la que se encuentran "Una vida difícil" (Una Vita difficile, 196l), "La Escapada" (Il sorpasso, 1962) y "Perfume de Mujer" (Profumo di Donna, 1975), Scola, que nace en 1931, pertenece a otra generación y, tras un largo trabajo como guionista, debuta en la dirección en 1963, y en su obra destaca "Mister Sabatini... Africa... Allá Vamos" (Riusciranno i nostri eroí a trovare l'arnico misteriosamente scomparso in Africa?, 1967) y "Un Día particular" (Una giornata particolare, 1977).

En principio, Los Nuevos Monstruos debían realizarla diez o doce directores que renunciaban a una parte de su salario para ayudar al guionista Ugo Guerra, que estaba paralítico desde hacía algunos años. No encontraron una forma práctica de hacerla y, finalmente, sólo participaron Risi, Monicelli y Scola. Los nueve episodios de diferentes longitudes que la constituyen no están firmados porque algunos están dirigidos por los tres, y por lo tanto constituyen una película colectiva.

Dino Risi contó lo siguiente sobre las relaciones entre "I Mostri" e "I Nuovi Mostri", separadas por catorce años: "Mi antigua película era sobre todo un espejo de la sociedad italiana de entonces. En aquella época los monstruos eran bastante cómodos. La monstruosidad no era ni difusa, ni violenta como hoy. Mientras pensábamos en los episodios de la nueva película, nos dimos cuenta que la realidad italiana sobrepasaba la imaginación. Leíamos el periódico, veíamos los telediarios y observábamos monstruosidades mucho mayores que las que tratábamos de presentar. En mi antigua película se podía hacer una defórrnación de costumbres italianas de entonces. Hoy no sólo la monstruosidad es general, sino que cotidianamente se presenta como un hecho natural. Sólo es necesario poner la cámara en la esquina".

El film fue estrenado en la Argentina en plena dictadura de Videla, lo cual resultó en la censura total del primer sketch del mismo, el centrado en un Obispo de la iglesia católica, fruto del genio interpretativo de Vittorio Gassman

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